No debemos confundir academicismo con clasicismo. Menges es academicista y se convierte en el dictador del gusto de Carlos III. El dibujo es perfecto, la línea está definida, la composición es armoniosa. David es un autor clasicista. Tuvo una educación tradicional, pero realizó un viaje a Italia y después a París. En Roma descubre a Caravaggio, conocido por ser el creador del tenebrismo: una técnica en la que se resalta una imagen iluminada sobre un fondo oscuro; hay un fuerte contraste de luces y sombras. Cabe detenerse un momento para hablar de Caravaggio, ya que sus pintura también tenían un carácter naturalista. El naturalismo pretendía endurecer la imagen, los modelos usados los recoge de la calle. Con sus imperfecciones, sus arrugas, los pies sucios... Es una mirada desidealizante. En cierto sentido, Caravaggio es un revolucionario. La Iglesia, al principio reacia, comprendió finalmente la intención de Caravaggio: se conseguía así un método de propaganda religiosa más eficaz, ya que la gente empatizaba mejor.
Por su parte, Ingres aparece como representante del academicismo, pero a pesar de sus líneas y el aspecto acabado es considerado como el primer deformador de la línea y admirado por los vanguardistas. Si nos fijamos en La bañista de Valpinçon, el cuadro desprende armonía, responde a los cánones verticales y clásicos; hay un predominio de los colores fríos, pero Ingres ha eliminado cualquier atisbo de angulosidad. Hay también cierto voyeurismo, una perspectiva de mirada escondida.
Cuando hablamos de los sublimes nos referimos a una corriente de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Lo sublime es aquello que impacta espiritualmente, aquello que ataca al espíritu. La estética de lo sublime se caracteriza por ser contrario al clasicismo: es desmesurado, es pasión, es subjetividad..., pero pese a su espíritu romántica la factura sigue siendo clásica. El iniciador de esta nueva corriente será el pintor Johann Füssli (a veces se puede ver escrito también Fuseli, dado que se estableció durante una temporada en Gran Bretaña).
El padre de Füssli era un historiador admirador del clasicismo. Fue ordenado pastor por obligación de sus padres. Crea imágenes clásicas, pero de temática sublime, oníricas, de pesadilla..., tal y como se puede ver en el cuadro La pesadilla, en el que aparece una mujer en estado oferente, con un caballo de mirada lasciva (símbolo del instinto primario, de la fuerza bruta) y el diablillo Íncubo, símbolo del deseo sexual. La posición de la mujer la repetirá en otros cuadros. En el aspecto técnico es clásico, pero en su temática es abrumadoramente romántico.
Otra de las grandes figuras de la corriente sublime fue William Blake: pintor, acuarelista y también poeta visionario que creó su propia iconografía de almas atormentadas, símbolos personales... Blake sintió atracción por las grandes obras del Renacimiento, aunque su dibujo tiene en ocasiones un aspecto "primitivo".
Bajo el título de "los místicos" encontramos una escuela inglesa de pintores que no aparece hasta finales del siglo XVIII. Sus únicos pintores eran extranjeros y era una escuela que estaba relacionada con el surgimiento de la industrialización. Dos de sus autores más representativos fueron Constable y Turner. En La catedral de Salesbury de Constable hay misticismo, espiritualismo, sentimiento a través del paisaje, cromatismo frente a la línea, que empieza a desaparecer.
de Turner la línea ha desaparecido completamente, lo que predomina es el color, las figuras deshechas. Aparece un tren. Se trata de un cuadro que va a influir directamente en los impresionistas. Monet, durante la
huyó a Inglaterra, donde conocería a estos autores y que le influyeron notoriamente.
En Alemania nos encontraremos con la figura de Friedrich, que creó fundamentalmente paisajes donde aparecen figuras humanas. Se trata de un ejemplo de transmisión de sentimientos a través del paisaje, humanizándolo; ejemplo de ello es Viajero ante el mar de niebla.
LOS ROMÁNTICOS: GÉRICAULT Y DELACROIX
Antesd hemos mencionado el Romanticismo; se trata de un arte pasional, desordenado, marcado por el predominio del color, con composiciones libres, inspirado en el mundo exótico y medieval.
Si el clasicismo es línea, el Romanticismo es color.
La figura de Géricault es difícil de clasificar. Era discípulo de David y se marcha a Roma, donde descubre la grandeza de Miguel Ángel y el naturalismo de Caravaggio. Influenciado por ellos pintará
La balsa de la Medusa. Trata un hecho de la actualidad del momento, un hecho que ocurrió en Francia: un barco llamado Medusa sufrió un naufragio en Senegal; los supervivientes se subieron a una balsa que estuvo a la deriva y cuyos miembros recurrieron al canibalismo. Por fortuna, un barco los avistó y se consiguieron salvar a 15 personas, que son las que aparecen en el cuadro. Cuando la noticia llega a Francia se produce un escándalo. Cuando Géricault expone el cuadro desata la polémica. La obra es de 1819; en 1815 había caído Napoleón y se restauró la monarquía borbónica. La monarquía trató de silenciar la obra, que acabaría convirtiéndose en una crítica a la administración y una proclama liberal. El cuadro ha llegado a compararse con un composición musical que va
in crescendo por la estructura de los cuerpos con una tensión de izquierda a derecha. Es una obra pasional, Géricault realizó una investigación obsesiva: entrevistó a los supervivientes, llamó al carpintero que hizo la balsa para que le hiciera otra, pintó cadáveres en el hospital, etc. Se trata de una obra construida, el dibujo es lineal, clásico, los colores son apagados, hay predominio del ocre y una clara influencia de Caravaggio. También pintó una serie de retratos de locos, alienados, por encargo de un psicólogo; aunque Géricault siempre mostró interés por pintar el sufrimiento interior.
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| La balsa de la Medusa de Géricault |
Con Delacroix tenemos menos controversia: es el máximo exponente del Romanticismo. Es contemporáneo de Ingres, con el que tiene puntos en común. Delacroix apuesta por el color y la libertad temática:
La barca de Dante, por ejemplo, es un tema literario, basado en la
Divina comedia de Dante. Aparecen Dante y Virgilio en la barca de Caronte, el barquero de la laguna Estigia, y en ella cobran especial importancia el color y las figuras deshechas. Otra pintura suya es
La libertad guiando al pueblo, una pintura alegórica de temática política. Pese a lo que pueda parecer el cuadro no representa la Revolución francesa, sino la revolución burguesa de 1830, la que destronó a los borbones y pone en el trono a Luis Felipe de Orleans. La alegoría dirige a una variedad de personajes, entre ellos están un burgués y un obrero. Es un homenaje a
La balsa de la Medusa de Géricault, ya que su composición es muy similar: existen ciertas similitudes entre la bandera del cuadro de Delacroix con el pañuelo blanco del cuadro de Géricault, así como la pila de cadáveres en el inferior de ambos cuadros.
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| La libertad guiando al pueblo de Delacroix |
Por otro lado, conviene hablar de un conjunto de tres obras que él mismo denominó
Las tres masacres, que son muy distantes entre sí. La primera de ellas es
La matanza de Quíos y hace referencia a una masacre de la que es víctima el pueblo griego a manos de los otomanos y en el que se vuelca un profundo sentimiento de independencia. La segunda es
La muerte de Sardanápalo de 1827, de temática medieval; las figuras aquí están más definidas por el color más que por la línea, como en la primera masacre. La tercera de las obras es
La toma de Constantinopla, también de tema medieval, en este caso sobre las cruzadas, retratando la entrada de los cruzados en Constantinopla.
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| La matanza de Quíos de Delacroix |
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| La muerte de Sardanápalo de Delacroix |
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| La toma de Constantinopla de Delacroix |
FRANCISCO DE GOYA
Goya constituye el exponente del inicio de la modernidad. Nace en 1746 y muere en 1818. ¿A qué estilo pertenece? No está claro, ya que sus cuadros reciben la influencia de los altos barrocos, del rococó, pero al mismo tiempo sufrirá la ruptura del academicismo. Empezó haciendo cartones para tapices, labor que a Goya le frustraba porque le limitaba. Ingresó en la Academia de San Fernando entregando para ello un Cristo de carácter contenido y apolíneo, que parece más bien una escultura clásica, que se apoya sobre una tarima que le da una encorvatura, no hay dramatismo, es un ejercicio de pintura clásica. Goya tendrá que someterse a esta dictadura del clasicismo. También es grabador: su primera experiencia es pasar a grabados las obras de Velázquez.
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| Cristo crucificado (1780) de Goya |
Goya será un pintor intelectual, por eso hay que entenderlo desde la Ilustración; analiza su época a través de la imagen. Cuando graba
Las meninas de Velázquez se toma libertades: interpreta más que copia. Goya es un pintor que, si no hubiese evolucionado, no hubiese sido un pintor moral. Madura muy tardíamente: alcanza la madurez expresiva a los 50 años de edad. La sordera que padeció le cerró a Goya el mundo de los sonidos, pero le abrió el mundo de la imagen. Otra enfermedad que casi le mata le abrió el camino a las pinturas negras. Estas pinturas han sido interpretadas como una bajada al infierno. En
Aquelarre, por ejemplo, la única mujer impasible es la que se identifica con Leonida, su ama de llaves y amante con la que llegó a tener una hija ilegítima.
Saturno devorando a un hijo es un tema mitológico del mundo clásico: el oráculo predice que uno de los hijos destronará a Saturno, por eso se come a sus hijos cuando nacen. En el cuadro vemos una intensidad dramática y una gran expresividad de la imagen.
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| El aquelarre (1820-1823) de Goya |
También debemos tener en cuenta que Goya vive un hecho histórico que le marcará: la
guerra de la Independencia, cuyo fruto sería el díptico sangriento del 2 y 3 de mayo. ¿Qué es lo que tienen de particular estos dos cuadros? No muestran una visión heroica de la guerra como otras pinturas, más bien dan una visión antibelicista. Todo en ellos es brutalidad, violencia gratuita, irracionalidad. En
Los fusilamientos del 3 de mayo aparecen los españoles en distintos tipos de posiciones, mientras que los franceses aparecen de espaldas. Goya vive la monarquía de Fernando VII, que destituye las cortes de Cádiz y reinstaura la monarquía, y de hecho no debemos olvidar su faceta como pintor de la Corte de Carlos IV. Al propio Goya se le acusó de afrancesado por retratar a José I y fue llamado por la Inquisición por haber pintado una imagen obscena:
La maja desnuda, situada en el palacio de Godoy. Cuando asaltan el palacio, esa pintura se da a luz. En este momento, Goya cae enfermo, pero se recupera, aunque a duras penas. Escapa a Burdeos, donde vivirá el resto de sus días y donde seguirá aprendiendo; allí dibujará
La lechera de Burdeos, un cuadro que podríamos considerar como preimpresionista.
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| La lechera de Burdeos (1827) de Goya |
Los grabados de Goya son especialmente interesantes por la voraz crítica a la sociedad de la época que vuelca en ellos. Será el primer pintor español que realice litografías. El grabado
Aun aprendo es muy simbólico.
El sueño de la razón produce monstruos es un grabado de su colección
Caprichos donde aparece un autorretrato de Goya escondido y, junto a él, todo tipo de animales. Goya utiliza los grabados para criticar los defectos de su sociedad, como el fanatismo (tanto el pagano como el religioso). Será una temática recurrente en otros dibujos como
Por mober [sic]
la lengua de otro modo, haciendo referencia al castigo al que eran sometidos todos aquellos que contradecían el pensamiento de la época.
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| El sueño de la razón produce monstruos (1797-1799) de Goya |
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| Por mober la lengua de otro modo (1810-1811) de Goya |
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| Aun aprendo (1827) de Goya |
El perro volante muestra un perro mastín que tiene alas y las patas palmeadas. Es un perro híbrido, mitad pescado, mitad carne. Simboliza a los curas. El perro, que es el animal pastor de las ovejas, simboliza al cura; lo de ser mitad carne y mitad pescado indica que es un hombre, pero no puede ejercer como tal. La palabra volar se debe interpretar con el significado de "robar" (de hecho,
voler en francés significa tanto volar como robar). El perro volando sobre su rebaño significa que los curas roban hasta las palabras de la Biblia; dejan de proteger a su rebaño para atacarlo.
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| El perro volante (1824-1828) de Goya |
DEL REALISMO AL POSTIMPRESIONISMO
Se propone el año 1848 como la fecha simbólica de los cambios que se están produciendo: se viven oleadas revolucionarias, se produce la caída de Luis Felipe de Orleans y la instauración de la II República francesa. En la obra
Gargantúa de Daumier
se puede ver la influencia de los medios de comunicación; se trata de una imagen crítica de corte caricaturesca de Luis Felipe de Orleans.; Daumier hace una analogía con el cuento
Gargantúa y Pandacruel, los dos gigantes que devoran todo, comparando a Luis Felipe con uno de estos gigantes, representándolo como un hombre que devora todo, mientras el pueblo permanece hambriento. Tiene un componente obrero; hasta 1848, las revoluciones son burguesas. Hay que tener en cuenta que en ese mismo año estalla la revolución de carácter obrero del 48 y se publica
El manifiesto comunista.
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| Gargantúa de Daumier |
Es una época de industrialización, socialización y de cambios sociales; de imperialismo colonial, del reparto de África. Surge el positivismo de Taine y Comiz, que apuestan por el industrialismo; surge el naturalismo literario de Balzac y de Dickens. Es el inicio de la cultura de masas y el cartel publicitario, de la popularización de la fotografía y de los periódicos ilustrados. En este contexto nace el realismo. El realismo es un tema presente en todas las épocas: los griegos y los romanos se creían realistas, la pintura española del
Siglo de Oro es realista y Caravaggio es el mayor exponente realista. Los realistas pintan a partir de modelos verdaderos. Pero el realismo como corriente es el nombre que eligen los artistas de esta época para denominarse así, porque se inspiran en el aire libre, el campo, las clases sociales (los impresionistas no fueron los primeros en pintar paisajes). La primera reacción por parte del público es la de rechazo: decían que la pintura realista era tan fea como un daguerrotipo, lo que nos lleva a hablar del impacto de la fotografía en la pintura. Cuando hablemos de realismo hablaremos de:
- el paisaje realista;
- el realismo testimonial;
- el prerrafaelismo.
EL IMPACTO DE LA FOTOGRAFÍA
A finales de los años 40, la fotografía se popularizó entre varias capas de la población. La simplificación técnica de la cámara de fotos la hizo accesible a más gente y cada vez hubo más fotógrafos.
La fotografía tuvo una gran consecuencia para el arte contemporáneo. Entre sus pioneros tenemos a Niepce, Daguerre o Nadar; curiosamente, todos ellos fueron también pintores. Muchos pintores realistas utilizaron la fotografía a su servicio; no obstante, no todos los pintores vieron con buenos ojos la fotografía y su rechazo fue respondido por los fotógrafos, ya que ellos también consideraban que podían crear composiciones bellas y artísticas. Este es el motivo por el que surgió el denominado
pictorrealismo, corriente que pretendía que la fotografía se acercara a la pintura. La fotografía también irá conquistando terrenos: Nadar fue el primero que bajó a las catacumbas de París y sacó fotografías de ellas.
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| The Pond-Moonlight (1904) de Edward Steichen, ejemplo de pictorrealismo. |
De forma paralela a la aparición de la fotografía, surgieron nuevas técnicas y nuevas innovaciones ideadas por pintores, como la del
cliché-verre, un procedimiento de captación fotográfica a medio camino del grabado. Asimismo, muchos pintores usaron de forma intencionada la fotografía para inspirarse y realizar sus cuadros, como es el caso de Mujer con loro y El origen del mundo, ambas de Courbet, que tienen una enorme carga fotográfica.
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| Mujer con loro de Courbet |
Daumier sería otro de los pintores que utilizarían la fotografía, tal y como podemos comprobar en su cuadro
Ecce homo. ¿Dónde vemos la influencia de la fotografía en este cuadro? Hay una clara tendencia a la grisalla, técnica pictórica basada en un uso de tonos ocres, y que aquí se utiliza para resaltar al populacho manipulado por los dirigentes políticos (se trata, a su vez, de una imagen crítica del pueblo manipulado); la iluminación es artificial, ya que se eliminan las sombras; y las figuras son planas. Representa el momento en el que Cristo es presentado al pueblo de Jerusalén después de ser arrestado por los romanos. El pueblo de Jerusalén tenía la oportunidad de decidir si era culpable o inocente. Pero en su lugar liberan al asesino Barrabás, que es la figura que está detrás de Cristo, mientras que este sale culpable.
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| Ecce Homo de Daumier |
EL PAISAJE REALISTA
Los pintores de paisajes buscaban la realidad a través del mismo. En los años 30, los franceses buscaban una mirada libre de prejuicios de la naturaleza. Entre los paisajistas tenemos a Corot, además de los grupos de pintores que se establecieron en Fontainebleu, Normandía y Provenza. El coliseo visto desde los jardines Farnesio de Corot está bajo el influjo del neoclasicismo, pero poco a poco Corot irá dándole importancia a la luz, como en La catedral de Chartres, de su última etapa.
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| El coliseo visto desde los jardines Farnesio de Corot |
Por otro lado, cabe mencionar que Corot es otro de los pintores en los que se ve una clara influencia de la fotografía en sus cuadros, como es el caso del cuadro Danza de las ninfas, en el que los cuadros pierden nitidez, están movidos, influjo directo de la movida de la cámara.
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| Danza de las ninfas de Corot |
En el bosque de Fontainebleu, cerca del pueblo de Barbizón, se desarrolló una escuela que acabaría llamándose el grupo de Fontainebleu. A este bosque acuden pintores y fotógrafos y, lejos de despertar rivalidades entre sí, intercambian experiencias. Buscan el efecto de la luz, la luz como elemento fundamental. El cuadro de Díaz de la Peña
Forèt de Fontainebleu es de 1868, seis años antes de la primera exposición impresionista. Este cuadro no es impresionista, pero no dista mucho de las posteriores pinturas impresionistas.
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| Forêt de Fontainebleu (1868) de Díaz de la Peña |
El grupo de Normandía destaca por la figura de Boudin. En
La playa de Trouville demuestra que sus preocupaciones son la luz y el cielo (que ocupa la mayor parte del cuadro); aparecen formas imprecisas hasta el punto de que el dibujo ha desaparecido. Sigue siendo un precedente directo del impresionismo.
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| La playa de Trouville de Boudin |
El grupo de Provenza se sintió especialmente atraído por la luz del Mediterráneo. Entre sus miembros, Bazille es el más destacable; fue amigo de los impresionistas.
Vista del pueblo muestra una preocupación impresionista, con efectos de luces y sombras, y un aspecto impreciso de las líneas.
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| Vista del pueblo (1868) de Bazille |
EL REALISMO TESTIMONIAL
Se refiere a un grupo de pintores que tratan de mostrar la sociedad tal y como es. Se olvidan del concepto de la belleza ideal. Prefieren el formato apaisado, que llama más a la mirada humana, más que el vertical, que es más espiritual. La distribución de las figuras es más casual. En este apartado veremos tres de los autores más fundamentales: Courbet, Daumier y Millet.
Courbet es un pintor autodidacta. Es obligado a estudiar Derecho, pero abandonaría sus estudios para dedicarse a la pintura, como hemos dicho, de forma autodidacta, y sin ir a ninguna academia, comienza a pintar. En su pintura veremos una especial influencia de Velázquez. En 1844 pinta
Autorretrato con perro negro, que es aceptado en el Salón de París (una convocatoria anual donde acudían los pintores a presentar sus obras con un jurado que las aceptaba o las rechazaba). Courbet protagonizará un cambio a partir de un viaje que realiza a Holanda, fundamental para comprender ese cambio de imagen.
Otro de sus cuadros, Los picapedreros, fue rechazado por la temática; no hay un canon de belleza, una belleza idealizada de la época. El entierro de Ornans, un tema banal para la época en un paisaje desolado. En 1855, Courbet, ante el rechazo sistemático de sus obras en el Salón, decidió abrir un barrancón, donde montó su propia exposición al margen de los circuitos oficiales. En él colocará un rótulo con la palabra "Realismo" acompañado con la publicación del manifiesto realista.
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| Los picapedreros de Courbet |
Otro de sus cuadros más importantes fue
El taller del pintor o
Alegoría real que muestra una fase de siete años de mi vida artística, donde aparece el propio Courbet en el centro de la composición mientras pinta un paisaje. Delante tiene un niño de su pueblo, con la mirada ingenua; detrás aparece una modelo desnuda, tomada directamente de la fotografía de su amigo Villeneuve. Hay dos grupos: uno a la derecha (sus amigos, los amantes del mundo del arte entre los que reconocemos a Baudelaire, a un matrimonio que le compra sus obras, a su mecenas y al político revolucionario Proudhon, figura fundamental del socialismo) y otro a la izquierda, donde se muestran sus enemigos (los explotados y explotadores; la gente que vive de la muerte, como Napoleón III, que es un cazador furtivo, alguien que no se atiene a las normes; la miseria está representada por una mujer, llamada la irlandesa, que lleva en brazos a un niño que está mamando. Se la llama la irlandesa porque en Irlanda ha habido una enfermedad mortal procedente de la patata; aparecen también un cura y un rabino judío; y una prostituta.
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| El taller del pintor de Courbet |
El cuadro
Señoritas a orillas del Sena es una visión libre de prejuicios de la sociedad, aunque en su momento se calificó de vulgar. En él aparecen dos señoritas sin ningún tipo de recato, abandonadas al calor, calor que se percibe por la inmovilidad de las hojas.
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| Señoritas a orillas del Sena de Courbet |
Como artista, Courbet era especialmente ególatra, algo que se puede ver en sus autorretratos. No existe mayor mitificación de los pintores como en la época contemporánea: Picasso, Van Gogh... En
Bonjour M. Courbet, un cuadro de corte realista, aparece el pintor encontrándose con un mecenas que le saluda. El propio Courbet aparece con la barba y la postura altivas.
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| Autorretrato o El desesperado de Courbet |
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| Bonjour M. Courbet de Courbet |
Por su parte, la figura de Millet se proclamará como la del pintor de los campesinos. La temática de sus cuadros es campesina, pero el tratamiento que hace de la imagen se aleja de la crítica y se acerca a la edulcuración. Fue mitificado y admirado por Dalí, especialmente por su cuadro
El ángelus, un cuadro que describe el momento en que dos campesinos, al sonar la campana, detienen las duras labores del campo para ponerse a rezar el ángelus. Se sabe por Dalí cuál fue realmente el tema original que trataba este cuadro: el entierro de un niño. Donde se ve una cesta en el cuadro, había antes un ataúd. Dalí insistió al Louvre en que hiciera una radiografía al cuadro para comprobarlo y se descubrió que efectivamente era así. Asimismo, Dalí, en sus escritos, reinterpretó esta obra con su método paranoico-crítico: la mujer es una devoradora sexual, ya que su postura se asemeja a la de un mantis religiosa (conocida por devorar al macho después de aparearse) y el hombre está tapándose una erección con el sombrero.
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| El ángelus de Millet |
EL REALISMO TRASCENDENTE DE LOS PRERRAFAELITAS
En 1848 surge la hermandad prerrafaelita conformada por siete pintores de los que citaremos a tres: Millais, Hunt y Rossetti. Su precedente está en los nazarenos germanos, que pintan imágenes contrarias a la belleza dominante de la época. Los prerrafaelitas seguirán los pensamientos de Ruskin, que preconiza que la pintura debe reflejar lo que somos capaces de ver con los ojos.
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| Ofelia (1852) de Millais |
La obra Ofelia de 1852, un año antes de la constitución prerrafaelita, es un cuadro pintado por Millais. Se trata de una referencia literaria al Hamlet de Shakespeare: a la escena en la que Ofelia se ahoga. El cuadro capta minuciosamente cada detalle de la naturaleza, lo que le emparenta con la fotografía. Ruskin decía que en la naturaleza veíamos a Dios, dándole así un sentimiento religioso. Aparece de esta forma un binomio espiritualista y realista en los prerrafaelitas. Ruskin decía que Ofelia era el más hermoso paisaje inglés asolado por el dolor.
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| El despertar de la conciencia de Millais |
El despertar de la conciencia destaca por el tratamiento y detalle del mobiliario, de las alfombras, del interior burgués. Una serie de detalles nos hacen interpretarlo de la manera que sigue: ambos son amantes, ella se levanta del regazo del chico porque se siente iluminada a través de la luz que entra por la ventana (reflejada en el espejo), que significa el despertar de la conciencia: la mujer se da cuenta que debe abandonar la prostitución. Muchos prerrafaelitas se pasaron al catolicismo. El cuadro es en realidad una denuncia social con un trasfondo espiritual.
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| Beata Beatrix de Millais |
Beata Beatrix hace referencia a otro personaje literario: Beatriz, la amante de Dante en
La Divina comedia. Beatriz muere y su alma transita. Lo que vemos en el cuadro es su alma; una figura de Dante; el Ponte Vecchio, corazón de Venecia; una golondrina roja que trae una amapola al corazón de Beatriz. El aspecto realista de este cuadro va desapareciendo, es más bien espiritual. Los prerrafaelitas empiezan con un profundo realismo y terminan siendo espirituales.
IMPRESIONISMOS
Por lo general, cuando tratamos de definir qué es el
impresionismo enumeramos las características propias de las pinturas de los paisajistas, pero los impresionistas son muy distintos entre ellos y se ha metido dentro del saco "impresionismo" a corrientes muy diferentes entre sí. Por ejemplo, Renoir y Degas, ambos considerados impresionistas, utilizan lenguajes muy diferentes: en el cuadro
El palco, Renoir usa el negro, color que muchos impresionistas desplazan de su paleta; y Degas nunca llegó a pintar paisajes, pintando figuras de forma definida.
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| El palco de Renoir |
En el año 1863 Cabanel pinta
El nacimiento de Venus, cuadro que constituye un ejemplo perfecto de lo que era el gusto imperante de la época, el gusto aceptado por la academia: la forma acabada, dibujo perfecto, perfeccionismo, temática mitológica... Por el otro lado, tenemos los cuadros rechazados de pintores como Manet (no confundir con Monet), Courbet, etc. Ya hemos hablado antes del Salón de París, lugar donde se llegaron a rechazar más de 4.000 cuadros por aquel entonces. Se estaba produciendo un cambio y se estaban abriendo nuevas formas de ver la pintura alejadas del gusto imperante.
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| El nacimiento de Venus (1863) de Cabanel |
Frente al cuadro de Cabanel tenemos ahora
El almuerzo sobre la hierba de Manet, de ese mismo año, pintura que fue una de las muchas rechazadas por el jurado del Salón de París. Ante esta situación, Napoleón III decidió abrir entonces un Salón de los rechazados, donde se expondría este cuadro de Manet, levantando una gran polémica. ¿Por qué escandalizó este cuadro en la que se ve a una mujer desnuda a una sociedad que estaba acostumbrada a ver desnudos en los cuadros de temática mitológica como el de Cabanel? En primer lugar porque el cuadro no sólo muestra un desnudo, no muestra un desnudo mitológico, muestra el desnudo de una muchacha corriente al lado de dos hombres vestidos. El cuadro es una revisión de otro cuadro de Giorgione (
El concierto campestre), en el que también podemos ver dos mujeres desnudas junto a dos hombres vestidos.
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El concierto campestre (1510) de Giorgione
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Le déjeuner sur l'herbe (1863) de Manet
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En segundo lugar porque se hace uso de la perspectiva japonesa: se eliminan las sombras de las figuras y su volumen. El sentido de profundidad comienza a desaparecer: la muchacha del fondo parece estar flotando encima de los personajes del primer plano.
Debemos apuntar que Manet no es en ningún caso un pintor impresionista, si acaso preimpresionista; pero conviene mencionarlo como presagio de los cambios pictóricos que se van a ir sucediendo en esta época. El escándalo de
El almuerzo sobre la hierba fue duplicado años más tarde con la exposición de
Olympia de Manet, inspirado en
La Venus de Urbino (1538) de Tiziano. Manet le da la vuelta, iconográficamente hablando. Existen dos Venus: la casta (representada por un perro, símbolo de la fidelidad) y la que incita al placer. En Manet la Venus de Urbino se convierte en una prostituta de mirada impertinente, el perro se ha transformado en gato, que es el antisímbolo del perro y la criada negra trae un obsequia de uno de sus amantes admiradores. Manet está planteando en su cuadro de forma intencionada una inversión de los valores, hasta se permite el lujo de imitar la postura del cuadro de Tiziano.
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| La Venus de Urbino (1538) de Tiziano |
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| Olympia (1865) de Manet |
Además, vemos que sigue la trayectoria de
El almuerzo sobre la hierba: carácter plano de las figuras, iluminadas artificialmente y con una clara referencia fotográfica. El escándalo provoca que un grupo de pintores se asocie de forma anónima con unos estatutos. El objetivo era organizar exposiciones libres sin jurados ni premios. El fotógrafo Nadar será uno de los amigos de esta sociedad. La exposición acabó siendo un fracaso de público, económico y de crítica. La crítica de Leroy es importante para entender a los impresionistas. Apoyándose en el título de Monet
Impression soleil levant, denominará a estos pintores "impresionistas", que es con el nombre con el que han pasado a la historia del arte; hay que tener en cuenta que lo hacía con una intención totalmente despectiva.
El problema de esto es que el término acabaría englobando también, por error, a pintores que no tenían nada que ver con el impresionismo. Por otro lado, entre los propios pintores se van a producir disensiones: Renoir, Degas y Sisley no participaron en estas exposiciones porque querían la aceptación del Salón. Conviene apuntar que los impresionistas no son vanguardistas; quieren ser aceptados por el público, no pretenden ser revolucionarios, les frustra que se les rechace. La última exposición, hecha en un restaurante en 1880, se exponen las primeras obras puntillistas, corriente considerada antiimpresionista.
Las características impresionistas pueden aplicarse a los cuadros de paisajes. Las características de lo que consideramos impresionismo son:
- primacía de la sensación, captar la primera impresión que produce el paisaje;
- sin normas del dibujo, el dibujo está menos acabado;
- inspiración en la naturaleza, pintura al aire libre;
- radicalización de la idea de los paisajistas de ponerse al aire libre.
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| La estación de Saint Lazare de Monet |
En el cuadro
La estación de Saint Lazare el protagonista es el humo. La pincelada fragmentada es la técnica que usan para representarlo. Esto se ve también en
La Grenoullière, donde se ven claramente las pinceladas pastosas y rápidas. Otra característica es la luz, ella es la materia prima sobre la que trabajan estos pintores, la que descubre, la que transforma..., las sombras tienen colores en el impresionismo.
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| La Grenoullière de Renoir |
Los temas del impresionismo son banales, intrascendentales. No tratan temas sociales, porque no interesa. Sólo busca la impresión visual. La actitud de independencia frente al arte oficial es otra de las características. Los impresionistas, ya lo hemos dicho, no son vanguardistas, a pesar de estar al margen de las instituciones oficiales, siempre quieren darse a conocer. No busca la ruptura.
IMPACTO DE LA FOTOGRAFÍA EN EL IMPRESIONISMO
El desarrollo de la corriente impresionista corre paralelo al desarrollo de la fotografía. Ambas buscan lo mismo: captar el instante. Existen estudios sobre esta materia, como por ejemplo el realizado por Scharf, autor del libro
Arte y fotografía, donde cuenta que los pintores impresionistas consideraron oportuno ocultar que usaban la fotografía para pintar.
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| El fusilamiento de Maximiliano de Manet |
En
El fusilamiento de Maximiliano de Manet trata un tema de actualidad. Tras la independencia de México, Napoleón III introduce a Maximiliano, un aristócrata austriaco. De este hecho se tomaron fotografías. Manet se inspirara en Goya y en las fotografías de los piquetes. El cuadro hace uso del concepto del espacio japonés.
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| Puente de Europa (1876) de Caillebotte |
Muchos pintores del grupo impresionista usan un encuadre cercano a la fotografía. El más evidente de ellos es Degas. En
Carroza en las carreras aparecen cortados un hombre y una carroza. También ocurre así en
Puente de Europa de Caillebotte. En el cuadro
Carnaval en el Boulevard de Capucines de Monet hay una perspectiva urbana de París desde un punto de vista alto, popularizado por las instantáneas de la época.
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| Carnaval de los Capucines de Manet |
En estos años aparecen dos investigaciones científicas con respecto a la fotografía: la cronofotografía de Muybridge, que pretendía analizar los estados de movimiento, por ejemplo de un animal que está corriendo. Se sabe que Degas compró el libro de Muybridge y al menos un estudio de Degas tiene relación directa con Muybridge. Marey hizo otro estudio de gran interés: en una sola fotografía capta los estados de movimiento.
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| Uno de los estudios de Muybridge |
Las perspectivas insólitas en la obra de Degas, como en el caso del cuadro
Lala en el circo Fernando, son un ejemplo del influjo de la fotografía. Hay cierto voyeurismo en este cuadro, aspecto muy presente en mucho de s cuadros, sobre todo en lo referente a los momentos cotidianos e íntimos de la mujer:
La tina. En este cuadro, Degas utiliza la pincelada fragmentada y un dibujo nítido.
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| La tina de Degas |
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| Lala en el circo Fernando de Degas |
LAS ACUSADAS PERSONALIDADES
A veces se dan ironías como está: se considera a Manet como el padre del impresionismo, pero, como ya hemos dicho antes, la pintura de Manet no es impresionista; no practica la técnica impresionista más que al final de su vida, en cuadros como
Bar en Folies Bergère. ¿Cómo interpretamos este cuadro? Desde el punto de vista histórico estamos en el París de la
Belle époque, donde se celebran bailes. Manet ha transformado el espacio a su capricho. La camarera es Suzon, que está a medio camino de ser prostituta, y está atendiendo a un cliente del que, por su gesto, está harta.
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| Bar en Folies Bergère de Manet |
El máximo representante del impresionismo será Monet (atención al cambio de vocal). Su pintura se caracteriza por el uso de la luz y la rapidez de factura, llegando al borde de la abstracción al final de su vida. Fue de formación autodidacta. En el cuadro
Mujeres en el jardín de 1867 muestra preocupaciones que aparecerán más tarde en su obra. En este cuadro el dibujo todavía está definido. El sol se tamiza a través de los árboles y se refleja en las telas. En
Les coquelicots, de 1873, el pincel está más liberado. Asentado en Argenteuil, se montaba en una barca y pintaba los paisajes acuáticos del Sena, como se puede ver en
Pont de chemin de fer Argenteuil.
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| Mujeres en el jardín (1867) de Monet |
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| Les coquelicots (1873) de Monet |
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| Pont de chemin de fer Argenteuil de Monet |
Otra de las figuras importantes es la de Pissarro, que era paisajista y fue fiel al grupo impresionista participando en todas las exposiciones. Al final de su vida es el que invitará a los pintores puntillistas a sumarse al grupo y él mismo acabaría convirtiéndose en pintor puntillista. No debemos pensar que el impresionismo y el puntillismo son corrientes similares, muy al contrario: el impresionismo es una pintura visual y anticientífica, mientras que el puntillismo pretende crear normas.
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| Tejados rojos (1877) de Pissarro |
Entre los puntillistas destaca la figura de Sisley, que acude al campo a hacer sus pinturas, interpreta la luz y tiene obsesión por el agua. Es autor de una serie de cuadros de inundaciones en Port-Marly. En 1876 se produce una inundación, y de este suceso se interesa por su efecto visual, por la luz y el movimiento del agua, más que por la intensidad dramática que conlleva. También sentía pasión por el agua en sus otros estados:
Nieve en Louvecienne de 1878, donde muestra su preocupación por los reflejos.
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| Nieve en Louvecvienne (1878) de Sisley |
Renoir participa activamente en las salidas al bosque a pintar, pero posteriormente renegará del impresionismo. En
Moulan de la Galette de 1876, el sol se tapiza entre el ramaje de los árboles y se proyecta en las figuras. Aparecen las formas deshechas, el dibujo no es importante y hay un predominio del color. Pero el caso de Renoir es especial: Renoir viaja a Italia y renuncia al impresionismo. El descubrimiento de Rafael hace que su pintura vuelva al dibujo, como en el caso de
Los paraguas. Desaparece la pintura fragmentada y aparece el dibujo definido, salvo en algunos detalles en los que sigue predominando el color. Al final de su vida llegará a una situación equilibrada entre el cromatismo y la línea definida como en
Gabrielle con una rosa.
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| Los paraguas de Renoir |
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| Gabrielle con una rosa de Renoir |
LOS OTROS IMPRESIONISTAS: DEGAS Y CAILLEBOTTE
A Degas no le interesa el paisaje, ni practica la pincelada fragmentada; se trata de un pintor académico, su maestro fue alumno de Inges, que defendía el dibujo por encima de todo. Es un investigador de la visualización y se sintió fuertemente impactado por la fotografía. Busca perspectivas insólitas de picado y contrapicado, de carácter voyeur.
Por su parte, Caillebotte era de formación científica y procedía de una familia acomodada; es decir, pintaba sin la preocupación de tener que vender sus cuadros para vivir. Su pintura está caracterizada por el dibujo y por el espectador que capta la imagen. En
Los cepilladores de parquet podría retratar un problema social, pero Caillebotte no tiene ese tipo de inquietudes en su pintura. Su única preocupación es meramente visual. Al igual que otras, fue rechazada en el Salón, pero llegó a exponerse en la segunda exposición de los impresionistas. A los académicos les chocó el espacio, el aspecto fotográfico de la imagen: la luz entra por la ventana y destaca el brillo del suelo.
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| Los cepilladores de parquet de Caillebotte |
En el cuadro
La plaza de Europa hay un ejercicio de comparación con fotografías de la misma perspectiva urbana, en el cuadro hay una deformación. Aparece una figura recortada, el espacio recuerda a la estampa japonesa. El dibuja es acabado, casi académico.
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| La plaza de Europa de Caillebotte |
EL ARTE ENTRE DOS SIGLOS: XIX-XX
LA REACCIÓN ANTI
En el tránsito de un siglo a otro se produce una reacción contra la búsqueda de la realidad, búsqueda que protagonizaron el realismo y el impresionismo. Esta reacción se traducirá en una actitud antifotográfica. Es una época de progresivo enfrentamiento internacional. Hay una reactivación del movimiento obrero y de choque ideológico. Es la época en la que se sucede el asunto Dreyfus. Cuando el mundo no es agradable, el arte le da la espalda y busca otra realidad. De este planteamiento surge el simbolismo de Moreau, cuyo ejemplo perfecto es el cuadro
La aparición, que recrea la historia de Salomé. En este cuadro se destaca la figura de la mujer como ser bello y decapitador.
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| La aparición de Moreau |
En este contexto también se desarrollarán dos corrientes: la senda estructuradora, que piensa en la imagen mentalmente y que intenta crear una pintura científica con normas. En esta corriente se encuadra a Cézanne y al puntillismo. La otra es la senda subjetivista, en la que se encuadran a pintores como Gauguin, Van Gogh y Toulouse-Lautrec. No obstante, ambas sendas tiene un punto en común: son antinaturalistas.
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| Los jugadores de cartas de Cézanne |
Cézanne, tras ser rechazado por los impresionistas, huye a la Provenza. Allí
buscará la estructura de la imagen como se puede ver en su cuadro
Los jugadores de cartas, donde hay un predominio de líneas rectas, donde hay una simplificación formal y una desaparición de la pintura fragmentada. Es una pintura que dará lugar al cubismo, entre otros aportes.
Por su parte, Gauguin será un pintor que buscará el primitivismo en sus cuadros. Se marchará a Tahití, donde buscará el mito del paraíso perdido, todo esto lo manifiesta a través de la imagen. En sus cuadros se ve también un uso arbitrario del color, aspecto que veremos después más adelante en los pintores expresionistas. Gauguin se plantea que no hay que aplicar los colores de la naturaleza porque la pintura es otro mundo distinto. Busca la belleza de la imagen a través del arabesco, qe es la búsqueda de lo bello a través de la línea y la curva. Son preocupaciones de carácter trascendental basadas en la idea del buen salvaje.
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| El caballo blanco de Gauguin |
LOS PINTORES RECHAZAN LA FOTOGRAFÍA Y LOS FOTÓGRAFOS QUIEREN PINTAR
Para muchos, la fotografía era un obstáculo. Scharf dice que es común el rechazo de todo lo que tuviere que ver con la fotografía. Pero muchos pintores usan la fotografía como instrumento, es el caso de Toulouse-Lautrec, que tuvo una estrecha relación con la fotografía, estilizándola de una forma muy personal. Influenciado por Degas, aunque de una forma distinta a él, utilizó la fotografía como método de investigación visual. Tuvo amigos fotógrafos como Gaubert. Usa la fotografía como un sarcasmo de su propia imagen.
Seurat, pintor puntillista, será el autor de
Le chahut, que recrea el mundo de la farándula donde aparecen las bailarinas y abajo el público. Entre las bailarinas hay hombres, esto muestra la teoría de las líneas direccionales de Henri y en segundo lugar la muestra de la cronofotografía de Marey, lo que busca es el ritmo de las piernas, la repetición equilibrada.
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| Le chahut de Seurat |
Entre tanto, los fotógrafos intentan ser reconocidos. Reivindican su trabajo a través del pictoralismo, la corriente que busca el máximo parecido posible a la pintura. Usan el efecto flou, que da una aspecto atmosférico, borroso a la fotografía. El fotógrafo Davidson dice que hace una fotográfica impresionista. Pero esta actitud, la de querer parecerse a la pintura, impide a muchos fotógrafos ver la autonomía de la fotografía y de afirmarse como arte.
EL POSTIMPRESIONISMO
Cuando hablamos de postimpresionismo no nos referimos ni a un estilo, ni a un movimiento, ni a un grupo. Es una denominación historiográfica, un término inventado para designar a un grupo de artistas muy diferentes entre sí, pero tienen algo que les une: parten del impresionismo para llegar a postulados distintos, incluso antiimpresionistas.
CÉZANNE
No es un pintor impresionista. Procedía de la Provenza y de joven se marcha a París donde intenta meterse en la escuela de Bellas Artes; allí le suspenden y se va a estudiar a la Academie Suisse, donde conoce a algunos impresionistas como Pissarro, que le introduce en el impresionismo. En esta tendencia cada vez más impresionista, participará en exposiciones expresionistas.
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| Una moderna Olimpia de Cézanne, se trata de una revisión de Olimpia de Manet |
El cuadro
Una moderna Olimpia plantea una revisión irónica del cuadro de Manet. Pero, ¿qué es lo que interesa de este cuadro? Especialmente la pincelada no académica. Procedente de una familia acomodada se marcha a la Provenza, donde vivió aislado de París, y donde pinta sin exponer. Evoluciona en su técnica y lenguaje. Sus preocupaciones:
una pintura cada vez más alejada de los postulados impresionistas, comienza a sistematizar formas, reduciéndolo todo a los elementos geométricos más primarios (el cubo, el círculo...). Dejará la pincelada fragmentada y volverá a la línea definida. En su cuadro Los grandes bañistas de 1895 trata un tema corriente: hombres y mujeres desnudos. No hay un tratamiento erótico, busca la estructura. Hay una pirámide visual y una integración de la figura en el paisaje. Picasso quedó impresionado por las figuras de Cézanne y será uno de los ingredientes que originará el cubismo.
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| Los grandes bañistas (1895) de Cézanne |
Por su parte, Seurat y Signac intentarán crear un arte científico, marcado por la norma, y crearán unas leyes de la pintura que dará fruto al puntillismo. La técnica puntillística consiste en que la pintura parezca un mosaico compuesto por teselas. A base de pequeños cubos de colores puros. Se basa en la teoría del color de Chevreul. En el cuadro
Bañistas en Asnières vemos una línea oblicua que define la estructura del cuadro, poses repetitivas de las figuras. Esto procede de las líneas direccionales de Charles Henri, que influyen en la construcción de la imagen. Inicialmente era una obra plana y será posteriormente cuando le aplique el mosaico puntillista.
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| Bañistas en Asnières de Seurat |
En
Tarde de domingo en la Grand Jette de 1884 aparece de nuevo la diagonal y la repetición de formas. Hay un ritmo alternativo de sol y sombras, repetitivo para crear una cadencia. Todo esto crea una pintura científica.
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| Tarde de domingo en la Grand Jette (1884) de Seurat |
GAUGUIN
Atraído por la pintura impresionista y en un principio pintor dominguero, decidió dedicarse a la pintura tras el quiebre de su empresa. Se volvió un bohemio y como bohemio buscaba huir de la civilización. Esto le llevó a la búsqueda de lo primitivo. Su primer viaje fue a Bretaña, un lugar rural, donde Gauguin quedó emocionado por las campesinas bretonas, como se ve en su cuadro
Visión después del sermón: Jacob es asistido por un ángel. Retrata un mundo onírico, místico..., divide la imagen en dos: las campesinas bretonas por un lado, y el ángel y Jacob, por el otro.
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| Visión después del sermón de Gauguin |
Otra de sus pinturas,
Cristo amarillo, es una pintura marcada por la arbitrariedad, se trata de una interpretación personal del mundo donde hay una clara influencia del espacio japonés y de las figuras planas.
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| Cristo amarillo de Gauguin |
Después se irá a Tahití, donde pintará
Caballo blanco, donde insiste en esa arbitrariedad del color: un caballo de color blanco-verde, un árbol azul, un mundo idílico, espacio plano... El primitivismo va a ser una corriente importante. La última etapa de Gauguin es más filosófica, más trascendental. Esto se ve en
¡De dónde venimos, quiénes somos, adónde vamos!, en el que se ve el mundo primitivo, el mundo de la religión. Gauguin hace un sincretismo entre la cultura tahitiana y la religión cristiana. El legado de Gauguin conduce a una pintura de colorismo y color arbitrario; en definitiva, abrirá un camino para el desarrollo del fauvismo.
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| ¡De dónde venimos, quiénes somos, adónde vamos! de Gauguin |
VAN GOGH
Como artista fue un fracasado: nunca llegó a vender cuadros. Al principio su pintura es negra y oscura, como en el caso del cuadro
Comedores de patatas, que muestra cierta preocupación social. Fue misionero; las patatas era el alimento básico de aquella época. Las escenas de interiores son muy propias de la pintura holandesa. Las figuras deformadas y la fealdad de los personajes y el ambiente también. Si Van Gogh se hubiera decantado por esta corriente hubiera llegado a ser un pintor como Munch, pero se marcha a París, donde está su hermano Theo, pieza clave para entender sus pinturas. En París estaba floreciendo el impresionismo. Aquí comienza su etapa parisina, marcada por el color y próxima a la estética impresionista:
La Sirène es un ejemplo de esto.
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| Los comedores de patatas de Van Gogh |
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| La Sirène de Van Gogh |
Va al sur de Francia buscando las luces del Mediterráneo en Aries: la serie de
El puente de Langlois muestra una pintura más personal, con un pincelada definida, hay evasión de la realidad, sobre todo en la cuestión del color (se ve una clara influencia de Gauguin). Se harán muy amigos, pero se distanciarán por lo distinto de sus caracteres. Un día coge una navaja y persigue con ella a Gauguin y, al no poder cumplir su objetivo, se corta la oreja. En su retrato
Fondo de colores planos podemos ver una evasión de la realidad en su abrigo y el humo de la pipa. Theo decide enviarlo a un manicomio, vistos los ataques que sufre. Es allí donde desarrollará su gran etapa, cuyo máximo exponente es su cuadro más famosos
La noche estrellada, que muestra ansias de misticismo, de plasmar emociones difíciles de precisar. El cuadro retuerce la naturaleza, hay una sensación crispada de la naturaleza. Utiliza una pincelada retorcida y larga, propia de Van Gogh, y que nada tiene que ver con el impresionismo; hay, además, un ambiente apocalíptico.
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| El puente de Langlois de Van Gogh |
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| Fondo de colores planos de Van Gogh |
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| La noche estrellada de Van Gogh |
El cuadro
Los girasoles es una obra que también podríamos encuadrar en esta etapa. Dado que Vincent no mejora, Theo llama a un médico, el Dr. Gachet, a quien Van Gogh pintará según su estilo: pintura retorcida. En su cuadro
La iglesia de Auvers, perteneciente a esta última etapa, el edificio adquiere vida con esas formas redondeadas; el cielo tiene color cobalto, clara influencia de Gauguin.
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| Los girasoles de Van Gogh |
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| El doctor Paul Gachet de Van Gogh |
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| La iglesia de Auvers de Van Gogh |
La senda que abre Van Gogh en el arte moderno es la del expresionismo alemán, que va a encontrar influencia directa en Van Gogh.
TOULOUSE-LAUTREC
De origen aristocrático y perteneciente a una familia adinerada, decide abandonar ese mundo y marcharse al mundo barriobajero, a los cabarets y a los prostíbulos, convirtiéndose en el gran intérprete de esos ambientes. En el cuadro
Dressage des nouvelles par Valentin-le-Désossé (
Baile en el Moulin-Rouge) se ve la influencia de Degas: uso de la línea, uso de un lenguaje distinto al impresionista, uso de un óleo muy diluido..., este lenguaje que utiliza lo trasladará después al cartel. Se ve también una clara influencia de la fotografía, especialmente por su encuadre, constituido por un primer plano de las figuras.
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| Dressage des nouvelles par Valentin-le-Désossé de Toulouse-Lautrec |
En el primer cartel que realizó dedicado al Moulin Rouge muestra un primerísimo plano del Larguirucho, una bailarina enseñando las enaguas y un público sombreado en negro. Simplificación de la imagen y uso del arte como comunicación, combinación de textos escuetos. Arte y publicidad nacen juntos con las vanguardias. En
La toilette de 1896 se muestra una clara influencia de Degas, la mirada voyeurista, una mirada dibujística.
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| Cartel del Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec |
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| La toilette de Toulouse-Lautrec |
RODIN
Está considerado como el padre de la escultura moderna. Le otorga a sus obras un aspecto inacabado. Utiliza las manos como fuente de inspiración, en
La catedral moldea las manos de tal forma que crea una cúpula de una catedral.
La puerta del infierno rememora a Dante, donde aparece la figura del pensador que después la convirtió en figura exenta.
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| La puerta del infierno de Rodin |
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| La catedral de Rodin |
El postimpresionismo no es un estilo, ni un movimiento, ni un grupo, se trata de una denominación.
SIMBOLISMO, MODERNISMO Y NABIS
El simbolismo englobaba a un grupo de artistas literatos que suponían un caso de reacción contra el naturalismo. Busca un arte oscuro, trascendente y místico. En 1886 se publica el manifiesto simbolista y de carácter literario escrito por Moréas donde define el simbolismo como vestir la idea con una forma sensible. Los artistas plásticos no tardarán en unirse al movimiento. Las características del simbolismo:
- Idealista;
- subjetiva;
- sintética (que vaya de la parte al todo);
- decorativa, bella.
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| Júpiter y Sémele de Moreau |
En el cuadro Júpiter y Sémele de Moreau, Sémele es una de las amantes de Júpiter a quien le dice que se muestra en todo su poder. Es una visión antifeminista: la mujer como ser imprudente. Hay detallismo extremo y belleza, una búsqueda de otro mundo, un mundo mágico. Tiene algo de "decadente", hay algo de nostalgia. Reciben influencia de los prerrafaelitas y ejercerán influencia en los surrealistas.
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| El ojo como un gran globo de Redon |
En el cuadro Pornócrates de Rops, vemos una obra que muestra la visión negativa de la mujer, que convierte al hombre en un cerdo. Por su parte, el modernismo tiene una aplicación decorativa, está vinculado al simbolismo y nace en 1890, extendiéndose en Europa. Los franceses lo llamarán Art nouveau, en Alemania lo llamarán Jugendstil, en Austria será la Secesión, en Inglaterra será Liberty style y en Italia Stilo floreale.
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| Pornócrates de Rops |
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| El beso de Klimt. Este cuadro pertenece al movimiento secesionista austriaco. |
Los Nabis son un grupo de pintores que se reúnen bajo las enseñanzas de Gauguin. Su máximo representante será Serusier. En El talismán, la primera abstracción es la de una pintura abstracta, pero se trata de un paisaje. Otro de sus integrantes, Denis, daría la siguiente definición de lo que es un cuadro: "es una superficie plana recubierta de colores con un cierto orden."
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| El talismán de Serusier |
LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS
El concepto de vanguardia procede del francés Avant-garde del siglo XIX, que designaba a la primera línea de combate y a los revolucionarios. Hay muchas vanguardias y se caracterizan por ser efímeras, pero todas ellas tienen una coherencia interna. Tradicionalmente se distingues dos grandes momentos: las vanguardias históricas (primera mitad del siglo XX hasta 1939) y las segundas vanguardias (a partir de 1945), a partir de ese momento las vanguardias desaparecen y surge la posmodernidad.
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| Senderos ondulados de Pollock. Este es un ejemplo de expresionismo abstracto. Es un arte que se politizará: la URSS promovió el realismo socialista; en respuesta a esto, EE. UU. respondió con la libertad del expresionismo abstracto. |
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| Calle con buscona de rojo de Kirchner muestra las formas angulosas, maniquíes que parecen autómatas, colores arbitrarios... Es una obra expresionista. |
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| Expansión de la luz (Centrífuga y centrípeta) (hacia 1913-1914) de Severini. Este cuadro conservado en el Museo Thyssen se trata de una obra futurista. Durante la primera fase del futurismo se utilizó el puntillismo para referirse al dinamismo. |
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| El alienista de Schwitters. Se trata de una obra dadaísta; introduce materiales insólitos: una colilla pegada a un cuadro, una moneda o incluo basura. |
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| Proun 5A de El Lissitzky. Se trata de una obra constructivista, un arte matemático-geométrico, tridimensional; este es el lenguaje que usan las vanguardias rusas antes de la llegada de Stalin. |
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| Marrón y plata I (hacia 1951) de Pollock. Ejemplo de obra abstracta. Se conserva en el Museo Thyssen |
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| Vega pal de Vasarely. Ejemplo de optical art |
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| Cabinas telefónicas (1967) de Estes. Se conserva en el Museo Thyssen y es un cuadro hiperrealista basado directamente en la fotografía: traslada literalmente la fotografía a la pintura. El pintor hiperrealista partirá de la ciudad. |
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| Pont Neuf de Christo. Arte conceptual |
El rechazo del público a las primeras vanguardias hace que fructifique una importante actividad teórica y la publicación de manifiestos. Es consultación con la praxis artística. La paradoja final es la siguiente: si las vanguardias han sido rechazadas, al final han sido admiradas. Obras que en su día fueron provocadoras, hoy son conservadas y admiradas.
EL CINE Y EL ARTE DE VANGUARDIA
Se habla mucho de la influencia pictórica en el cine, pero no al revés..., y existe. El cine impactó en la mentalidad visual de la época, no sólo del público, sino también de los artistas, Ocurrió con Picasso, con Dalí y con Warhol.
1. El influjo de la plástica al dinamismo. El ojo móvil de la cuarta dimensión: en
Mujer sentada en un sillón podemos ver un motivo desde distintos puntos de vista. Los futuristas italianos se obsesionaban por la representación del dinamismo y el movimiento:
Dinamismo de un perro con correa.
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| Mujer sentada en un sillón de Picasso |
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| Dinamismo de un perro con correa de Balla |
2. Cortar y pegar, técnica que procede del montaje cinematográfico. Un ejemplo de esto es el fotomontaje de Hamilton.
3. Conquista de un espacio no narrativo, de mirada a sí misma, de la pintura pura.
EXPRESIONISMOS
Es una actitud frente al arte, el artista considera a la obra como una vía de expresión de su estado de ánimo, del instinto creador. No es un movimiento, es una tendencia. Entre los denominados expresionismos tenemos las siguientes tendencias:
Fauvismo
Salón de otoño de París, convocatoria artística de 1905. Hay una serie de jóvenes pintores unidos por la amistad, no son un grupo, son amiguetes a los que les une un mismo sentido cromático. Lo que les une también es la agresividad y arbitrariedad del color. Un crítico de arte, Vauxcelles, califica a estos pintores de
fauves, que en francés, significa fieras. Algunos de estos pintores son: Matisse, Derain y Vlaminck.
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| La raya verde de Matisse |
En La raya verde de Matisse no se intenta buscar el parecido: los colores son intensos y planos, hay un aspecto primitivo de la imagen, ausencia de perfección, pincelada gruesa, se puede apreciar el relieve de la pintura... Este es el lenguaje de los fauvistas: violencia cromática y cierto primitivismo dogmático.
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| Los olivos de Vlaminck |
En
Los olivos de Vlaminck hay un carácter arbitrario del color, usaba el color como si fuera dinamita. Los fauvistas radicalizan un lenguaje ya creado por Gauguin o Van Gogh. Por su parte, Matisse evolucionó en una pintura más rítmica y musical, más dinámica, con líneas definidas. En
La danza se puede ver una preocupación distinta.
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| La danza de Matisse |
EXPRESIONISMO ALEMÁN: DIE BRÜCKE (1905) Y DER BLAUE REITER (1911)
El carácter expresivo es una constante alemana. Hay una tendencia dramática a lo largo de las etapas de su pintura. Un ejemplo perfecto es
La crucifixión de Grünewald. En el mundo germánico, expresionismo es sinónimo de modernidad. El grupo
Die Brücke, compuesto por arquitectos, plantea "un puente" (
Brücke en alemán significa puente) al futuro del arte. Lanzan un manifiesto anunciando la constitución del grupo con buenos deseos juveniles. Aportan la espontaneidad en la factura, pintar de manera directa, una búsqueda de una pintura auténtica sin mediación de dogmas académicos. El cuadro
La calle de Dresde de Kirchner plantea un uso arbitrario del color, con una visión dramática, lleno de seres autómatas. El ambiente tradicional alemán influyó mucho, al igual que Van Gogh y Gauguin. La superficie plana es una clara influencia de Munch. Posteriormente, el grupo se trasladaría a Múnich, donde se volvería más agresivo, con un tratamiento más anguloso. En
Cinco mujeres en la calle se ve esta angulación y al mismo tiempo un ambiente enardecido.
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| La calle de Dresde de Kirchner |
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| Cinco mujeres en la calle de Kirchner |
Der blaue Reiter es un grupo que surge después del cubismo y del futurismo, y no posee un manifiesto. Crearon una revista llamada
El caballo azul, que sencillamente se llamó así porque le gustaban los caballos y el color azul. Sus pintores más influyentes son: Kandinski, Marc y Macke. No existe un lenguaje común, lo único que les une es que exponen juntos y la revista. Si acaso, lo único que podría unirlos es cierto carácter místico, el arte como manifestación del espíritu. En el cuadro
Los grandes caballos azules de Marc se puede ver todo esto: sentido exotérico, misticismo, etc.
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| Los grandes caballos azules de Marc |
Kandinsky fue profesor de Derecho en Moscú y decide tardíamente dedicarse al arte. Se asienta en Múnich, donde conocerá el fauvismo en París y en 1908 se instala en Murnau, donde se producirá un cambio en su obra. En el cuadro
Murnau se puede ver la influencia fauvista, por su fuerte cromatismo. Pero el lenguaje de Kandinsky dará un salto enorme, orientándose a la pintura abstracta entre 1910 y 1913. ¿Cómo llega a su primera pintura abstracta? El propio Kandinsky lo explica: cuando vio una pintura hermosa en la que vio figuras totalmente incomprensibles, resultó que ese cuadro estaba puesto del revés. En ese momento se dio cuenta de que los cuadros figurativos estropeaban la pintura.
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| Murnau de Kandinsky |
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| Primera pintura abstracta de Kandinsky |
La abstracción pura expresa su forma de ver el arte. El arte abstracto es tan antiguo como el hombre. En Altamira hay abstracción, las culturas iconoclastas crean imágenes abstractas. En 1910 Kandinsky escribiría
De lo espiritual en el arte, donde explica sus motivaciones místicas, sobre que el arte necesita una interioridad y sobre la relación entre música y pintura. De este modo, cada color es como un instrumento: el amarillo actúa como una flauta, el verde como un violín, el blanco es el silencio. En sus cuadros hay, además, una búsqueda de dinamismo y expresividad.
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| Pintura con tres manchas, nº 196 (1914) de Kandinsky. Museo Thyssen |
REVOLUCIÓN Y LENGUAJE CUBISTA
Para entender el cubismo, hay que comparar. En el año 1911, dos pintores diferentes pintan dos cuadros muy diferentes entre sí: el primero de ellos es
El Cristo de la sangre de Zuloaga, un cuadro marcado por el espacio tridimensional y por el sentido compositivo; el segundo cuadro es
Hombre con clarinete de Picasso, en el que se reivindica el carácter plano de la obra. No es más que un pretexto para el lenguaje cubista. Destruye el concepto del arte renacentista, y como decía Alberti, un cuadro es una ventana a la realidad. Con el cubismo esa ventana desaparece y surge, en su lugar, un punto de vista monofocal y estático.
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| El Cristo de la sangre (1911) de Zuloaga |
Las características del cubismo:
1. El primer ataque al arte tradicional va dirigido al espacio tridimensional renacentista. Reivindica el carácter plano de la obra.
2. Aporta al cuadro la cuarta dimensión (el tiempo), lo que se caracteriza con el ojo móvil. En Cabezas picassianas podemos ver cierta influencia cinematográfica.
3. La luz desaparece, no destaca los volúmenes. El cubismo busca el carácter plano y la línea.
4. Desaparece la distinción pintura-fondo.
5. En la primera etapa del cubismo, el color también desaparece, dejando de lado la importancia de lo cromático (predominio de grises) y resaltando lo estructural.
6. A partir de 1912, Picasso va a realizar el primer
collage en el que introduce materiales insólitos: un trozo de hule, un fragmento de silla de mimbre, etc.
7. Geometría. No es el elemento fundamental del cubismo. La geometría es un elemento, una herramienta del cubismo. Apollinaire decía que la geometría es a la pintura lo que la gramática al escritor.
8. El cubismo usa un nuevo lenguaje, una nueva realidad creada por ese lenguaje. Es el punto de cesura del arte de vanguardia. Es un lenguaje que generará rechazo por parte del público. Esto lleva a la necesidad de una elaboración teórica, publicación de libros, entrevistas... Mentzinger y Gleyzes publicarán un libro teórico sobre el cubismo. A partir de este momento el resto de vanguardias hará lo mismo.
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| Hombre con clarinete (1911) de Picasso. Es una obra cubista, de carácter plano, se acaba la visión tridimensional. Museo Thyssen |
Picasso y Braque
Picasso no comenzó pintando cuadros cubistas. Su obra
Pobres en la orilla del mar (1903) pertenece a la primera de sus etapas, en la que se ve todavía una preocupación figurativa, dentro de la estética del siglo XIX. El cuadro refleja con belleza una familia de mendigos pintada con todos azules. En Madrid se entera de que Casagemas se ha pegado un tiro en París. En este momento empieza a pintar en azul según sus propias palabras.
Casagemas y
El entierro de Casagemas tienen una influencia, respectivamente, de Van Gogh y El Greco. ¿Por qué el azul? Porque es el color de la tristeza.
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| Casagemas (1901) de Picasso |
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| El entierro de Casagemas (1901) de Picasso |
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| Pobres en la orilla (1903) de Picasso |
En 1904 ya empieza a usar en sus cuadros tonos rosas, líneas, temática circense, arlequines hambrientos... ¿Qué es lo que ha ocurrido en la vida de Picasso para este cambio radical? En este momento conoce a su primera mujer, Fernande. En 1906 se monta una exposición dedicada al arte estructurado; esto, junto a la integración del color de Cézanne y al influjo del arte primitivo ibérico y africano provocan un cambio en la pintura de Picasso que acabará materializándose en el cubismo. En el retrato de Gertrude Stein vemos un
proceso de simplificación de la imagen, la cara de Getrud se asemeja a la de una máscara negra, vemos también un influjo de Cézanne y del arte primitivo..., todo esto llevará a la obra cumbre de Picasso:
Las prostitutas de la calle de Avignon que, aunque no es una obra cubista, podríamos considerarla un preámbulo. Picasso lo utilizará como pretexto para hablarnos de un nuevo lenguaje,
introduce la visión móvil: la señora de la derecha está de espaldas, pero le vemos la cara; se muestra también una geometría de los cuerpos.
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| Arlequín sentado de Picasso |
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| Retrato de Gertrude Stein de Picasso |
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| Las señoritas de Avignon de Picasso |
Por su parte, Braque comienza como fauvista, tal y como se puede ver en
L'Estaque, pero una vez pasado el impacto de
Las señoritas de Avignon, comienza a investigar con Picasso un nuevo lenguaje estructurado, que será la base del cubismo.
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| Marina. L'Estaque (1906) de Braque. Museo Thyssen |
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| Maisons à l'Estaque (1908) de Braque |
ETAPAS DEL CUBISMO
- Etapa precubista o cézanniana (hasta finales de 1909): es una etapa de simplificación de la imagen. En el cuadro
Frutas y vaso de Picasso, hay una influencia de Cézanne, las figuras están simplificadas y estructuradas, hay una geometrización de las formas. Tal y como ocurrió con la acuñación del término fauvismo, fue el crítico Vauxcelles quien sin quererlo, bautizó esta nueva corriente cuando calificó esta nueva forma de pintar como pintar con "cubos", siempre con una intención despectiva. Tanto Picasso como Braque experimentaron de forma paralela con este nuevo lenguaje: Picasso con el cuadro
L'Horta y Braque con el cuadro
El parque.
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| El parque de Carrières-Saint-Denis (1909) de Braque. Museo Thyssen |
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| L'Horta de Picasso |
- Etapa del cubismo analítico: es analítico porque descompone los elementos del cuadro.
La muchacha de la mandolina de Picasso busca la descomposición de la imagen; la integración del fondo en la figura, que apenas se distingue; y un uso de tonos grises. De tanto descomponer la imagen surge la etapa final del cubismo analítico: el cubismo hermético, cuyo ejemplo más perfecto es el cuadro de Braque
El portugués, en el que apenas se distinguen las formas; está en el límite de lo abstracto. Picasso y Braque reaccionan ante ese límite de lo abstracto que desembocará en el cubismo sintético.
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| Mujer con mandolina de Picasso |
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| El portugués de Braque |
- Etapa del cubismo sintético: la síntesis es la construcción, es una inversión del cubismo analítico; ahora la imagen se construye. Se recupera el color, es un elemento más destacado, algo visible en
Mujer sentada en un sillón. El estallido de la I Guerra Mundial provoca que Braque se aleje del cubismo. Picasso seguirá investigando, combinando períodos de pintura figurativa con períodos de pintura cubista como en
Los tres músicos de 1921; Picasso hizo dos versiones de este cuadro, en la versión que se muestra abajo, vemos a un perro, a Pierrot (que representa a Apollinaire), a un fraile (que representa a Max Jacob) y un autorretrato de Picasso vestido de arlequín.
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| Los tres músicos (1921) de Picasso |
DINAMISMO FUTURISTA
Nace como movimiento literario en las páginas de un periódico francés,
Le Figaro, donde se publica el primer manifiesto en 1909 firmado por el poeta italiano Marinetti; allí anuncia los elementos fundamentales de esta vanguardia: osadía, rebelión, defensa del maquinismo, de la velocidad y del belicismo. Son futuristas porque apuestan por el arte del futuro frente al pasado. Argan dice que el futurismo es la primera vanguardia porque niega en bloque todo el pasado, son revolucionarios con la sociedad (de hecho, quieren quemar todos los museos), abarca todos los ámbitos (cine, pintura, literatura, música). Los pintores futuristas serán: Boccioni, Carrà, Russolo, Severini y Balla. En el año 1910 firmarán el segundo manifiesto, donde no precisan un lenguaje plástico, sino que precisan el carácter ideológico del movimiento. Los futuristas no tendrán un lenguaje concreto.
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Dinamismo de un automóvil (1913) de Russolo. El cuadro trata de captar el movimiento de las máquinas
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| Salida del teatro Carlo de Carrà |
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Por su parte, Severini conocerá el cubismo en un viaje a París y descubrirá que muchos problemas del lenguaje futurista los encontrará en el cubismo. Carrà publicará un tercer manifiesto: manifiesto de la pintura de los sonidos y los colores. El cuadro
Manifestación intervencionista de 1914 es una propuesta multisensorial: tenemos que tener en mente el contexto de I Guerra Mundial, Italia o participa inicialmente en la guerra y los futuristas apuestan por la participación bélica del país. Es un gigantesco
collage hecho con papeles de periódicos. Da sensación de dinamismo. Parecido es el objetivo de Balla en
Manifestación patriótica, donde invita que Italia entre en la guerra. En él podemos ver figuras sinuosas, cabezas de los manifestantes. Aparece el símbolo del infinito, que es el que utilizaba la familia de los Saboya, partidaria de la integración de Italia en la guerra.
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| Manifestación intervencionista (1914) de Carrà |
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| Manifestación patriótica de Balla. Museo Thyssen |
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| Jeroglífico dinámico del Bal Tabarin de Severini. Se puede encontrar cierta influencia cubista, como la integración de la figura en el fondo |
Existe otra forma de representación del dinamismo: mediante la descomposición del movimiento, como en el caso del cuadro Dinamismo de un perro con correa (1912). Recuerda a la fotografía de Marey. En este mismo año habrá italianos que estudien el movimiento en la fotografía haciendo uso de la fotodinámica: es el caso de Anton Giulio Bragaglia con
Cabeza en movimiento. Los futuristas negaban la influencia de todo esto. El futurismo será un arte que alcance a cambiar todos los ámbitos de la vida. En el 1912 se hace un manifiesto técnico de la escultura futurista de Boccioni, que apuesta por el uso de materiales como la madera, el cristal... En
Formas únicas de continuidad en el espacio muestra un cuerpo en movimiento.
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| Cabeza en movimiento de Bragaglia |
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| Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni |
En arquitectura Sant'Elia diseñó un proyecto:
La città nuova con aspecto futurista. En definitiva, el futurismo era un conjunto de postulados radicales, una realidad plástica. Durante los años 20 surgirá un segundo futurismo, asociado al fascismo, menos anárquico y más académico.
RELACIÓN DEL CUBISMO Y EL FUTURISMO EN LA IMAGEN TECNOLÓGICA
La aparición de la cinematografía va a influir mucho en la pintura. Se sabe que Picasso era un apasionado del cine de Méliès. El cine influye sobre todo en la forma de tratar el movimiento y el tiempo. La técnica del
collage misma es una influencia del cine: el fotógrafo Rejlander crea
Los dos caminos de la vida, una gran fotomontaje en el que las figuras han sido fotografiadas por separado y se juntan en una sola. Lo que hace Rejlander es cortar y pegar como en el montaje cinematográfico. No obstante, pese a la evidencia, tanto los futuristas como los cubistas negarán estas influencias. Es una actitud de defensa ante la creación de un arte único y nuevo sin ningún otro parangón.
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| Los dos caminos de la vida de Rejlander |
ARTE, GUERRA Y REVOLUCIÓN
UNA ÉPOCA EN PERMANENTE CAMBIO
Ha habido cambios históricos, sociales, ideológicos, tecnológicos, así como en la mentalidad de las personas que han sido condicionantes. El siglo XX es un siglo de grandes revoluciones y se inicia la contemporaneidad. Se ha desatado la Comuna de París, un levantamiento revolucionario de carácter socialista y obrero. En ella se encontraba el pintor Courbet, que fue perseguido por destruir una obra de arte. Recordemos que cada vez que analizamos una obra tenemos que partir del contexto histórico.
El cubismo reivindica la importancia del arte primitivo, del arte negro, que se sitúa en una época en la que se había desatado el imperialismo. Es curioso que Picasso reivindique la cultura de un pueblo que está siendo destruido. El cubismo se va a extender rápidamente. La I Guerra Mundial vino a trastocar los movimientos de vanguardia. Se plantea la abstracción geométrica en dos vertientes:
- las vanguardias rusas (suprematismo y constructivismo);
- el neoplasticismo holandés;
- dadá, que surge en Suiza, es el más rompedor y desgarrador de los movimientos. No deja ningún títere con cabeza, ningún principio sagrado sin criticar.
La proyección del cubismo y del futurismo son esenciales para comprender el arte de este momento. Ambas corrientes se superponen y se habla del influjo cubo-futurista.
JUAN GRIS
Inicia su carrera como dibujante humorístico y más tarde se marcharía a París, donde conocería a Picasso y el cubismo en su etapa sintética. De todos los cubistas será el más riguroso, estético y matemático. Para el la pintura es arquitectura.
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| Botella de anís (1914) de Juan Gris. Museo Reina Sofía |
CUBISTAS ORTODOXOS: GLEIZES Y METZINGER
Ambos son teóricos del cubismo, hacen un cubismo más aceptable al público: mantiene elementos figurativos. Los cubistas puristas son los que llevan al cubismo a un lenguaje austero y plano, como el caso de Ozenfant o Le Corbusier.
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| Nature norte au verre de vin rouge de Ozenfant |
Los poscubistas, como Léger, parten del planteamiento del cubismo de pintar con cubos, pero en lugar de pintar cubos pinta "tubos", creando de esta manera un cubismo tubular. Duchamp también haría cuadros cubistas, y podríamos considerarlo un cubista herético; en su cuadro Moulin à cafè junta cubismo y futurismo.
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| Mujer de rojo y verde de Léger |
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| Moulin à cafè de Duchamp |
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| Desnudo bajando la escalera de Duchamp. Muestra una figura humana en sus distintos estados de movimiento, influencia directa de la fotografía de Marey. |
Delauney, partiendo del cubismo, llega a la abstracción y se basará en la teoría del color de Chevreuc para pintar sus cuadros.
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| The Mud Bath de Bomberg. Ejemplo de vorticismo, cuyo máximo exponente fue el inglés Bomberg. |
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| El bosque (1913) de Goncharova. Museo Thyssen. Ejemplo de rayonismo, corriente que floreció en Rusia y cuyo máximo exponente es Natalia Goncharova |
El arte conceptual da importancia al concepto sobre la obra Una y tres sillas de Joseph Kosuth no puede engañar a los ojos, debe ser equilibrado: dominio de la línea recta, racional, composición. Bebe de la Ilustración. La mitología se convierte en tema de inspiración. Predominio de la línea.
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Una y tres sillas de Joseph Kosuth
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SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO
¿Qué esta sucediendo en Rusia en estos momentos? Nos encontramos con la Revolución rusa, que quiere transformar la sociedad. ¿Qué ocurre con el arte? Se siente implicado en el proceso revolucionario. Dos de las figuras fundamentales serán Malevich y Tatlin. Malevich parte del cubismo y el futurismo para llegar a la abstracción radical, buscando la pureza de la pintura. Esto le conduce en 1915 a acuñar el término suprematismo (que es la búsqueda de la supremacía de la sensibilidad a través de las obras puras). Malevich parte del misticismo, de lo exotérico.
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| Composición suprematista: aeroplano volando de Malevich. El cuadro no hace referencia a nada, sólo a sí mismo: formas planas, abstractas, ajenas al mundo de la realidad. |
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| Composición suprematista: cuadro rojo y cuadro negro de Malevich |
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| Cuadro negro de Malevich. Este cuadro y el anterior constituyen una simplificación, una reducción radical de los planteamientos clásicos. |
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Cuadro blanco sobre blanco de Malevich. Se trata de la abstracción llevada al máximo.
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Tatlin llevará el suprematismo a otra punta distinta. También parte del cubismo y el futurismo para llegar a la abstracción. Abandona pronto la bidimensionalidad del lienzo. Va a plantear el carácter aplicado del arte (al contrario que Malevich). Su
Modelo para monumento a la Tercera Internacional fue un proyecto de 9 metros (inicialmente pretendía que midiera 400 metros, pero la situación económica lo impidió.) Era un edificio de estructura helicoidal que al mismo tiempo funcionaría como antena. En su interior habría tres formas geométricas: un cubo que albergaría a la Duma (el legislativo), una pirámide que albergaría al ejecutivo, los soviets, y un cilindro que albergaría a los medios de comunicación.
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| Modelo del monumento a la Tercera Internacional de Tatlin |
En 1924 muere Lenin y le sucede Stalin, que por decreto establecerá el realismo soviético, una corriente artística que consideraba más eficaz que corrientes que producían obras de estilo de
Atacad a los blancos con una cuña roja de El Lissitzky.
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| Atacad a los blancos con una cuña roja de El Lissitzky |
NEOPLASTICISMO HOLANDÉS: DE STYL
Se trata de un lenguaje estricto, despojado de cualquier elemento.
El neoplasticismo holandés buscaba crear un lenguaje universal, simplificado. En este grupo destacaron autores como Mondrian y Van Doesburg. Plantean un nuevo lenguaje, un nuevo estilo que debe superar a todos los demás, y que persigue un arte abstracto y puro. Mondrian partirá del cubismo como se puede ver en
Planos de color en oval, que se trata más bien de una radicalización del cubismo. La obra cumbre será
Composición de 1921, una reducción de los elementos plásticos, ausencia de curvas, preferencia por la línea recta, búsqueda del equilibrio, cromatismo plano (los tres colores primarios). La obra plástica se refiere a sí misma, el lenguaje pretende ser nuevo en su contexto de un mundo arruinado por la guerra.
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| Planos de color en oval de Mondrian |
Hay muchos elementos místicos y utópicos. Mondrian pertenece a la teosofía, una corriente filosófica que dice que hay un principio universal que preconiza la armonía universal. Si el hombre ha podido crear obras románticas, llenas de subjetividad, y una guerra, vamos a crear una obra desprovista de dramatismo, de sentimientos. Esto se ve en la ya mencionada obra
Composición de Mondrian, pintada con los colores primarios y los no colores (blanco y negro) como representación utópica de un nuevo mundo más simple y unificado. Esto sólo se comprende con el contexto histórico de la I Guerra Mundial.
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| Composición en rojo, amarillo y azul (1921) de Mondrian |
Por su parte, Van Doesburg plantea lo mismo que Mondrian: colores primarios, el no color, sólo que no hay separación mediante líneas negras. Los neoplásticos tendrán disidencias: algunos volverán al figurativo y Van Doesburg introducirá la línea oblicua, como en su cuadro
Composición V. Mondrian considerará esto una traición, se separará del grupo y seguirá su búsqueda pura. Mondrian los ve como una ruptura del equilibrio, lo oblicuo es barroco y el barroco es sentimiento.
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| Composición V de Van Doesburg |
La última fase de Mondrian se desarrollaría en EE. UU. y
Boogie-Woogie es un ejemplo de los derroteros que estaba tomando su arte. Rietveld aplicará los principios del neoplasticismo al diseño.
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| Boogie-Woogie de Mondrian |
DADÁ: LA PROVOCACIÓN Y EL AZAR
Es un movimiento provocador y destructor que florecerá en Suiza, donde una serie de artistas procedentes de países beligerantes fundan el movimiento dadá en un cabaret de Zúrich. Entre ellos se encuentran Hugo Bal, Tristan Tzara y Hans Ara.
El dadaísmo es la vanguardia más rompedora e insultante, creado por un grupo de exiliados; es irracional, como la guerra. La ideología dadá no respeta los principios más sagrados de la civilización e incluso se atreve a destruirlos: la razón, la religión, el propio arte..., practicarán todo tipo de actos provocadores. Parten de una actitud antibelicista. No plantea un lenguaje artístico o unificado, es contrario a sus principios. Por ello plantea cosas como la obra
Cadeau de Man Ray, que no es más que una plancha a la que se le han colocado unos clavos.
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| Hugo Bal en el cabaret Voltaire |
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| Cadeau de Man Ray |
Alemania también desarrollará su propio movimiento dadá con autores como Scwitters y Grosz. En Nueva York aparecerá un grupo análogo en el que se integra Man Ray y Duchamp. En este contexto surgirá el
ready made, el objeto ya hecho, sacado de contexto, y que fue ideado por el ya mencionado Duchamp, que cogió
La Gioconda de Da Vinci y le pintó un bigote y una barba; además escribió las letras LHOOQ, que leído en francés significa "ella tiene el culo caliente" (
elle a chaud au cul). Se trata de un acto de provocación, de broma.
DUCHAMP
La alternativa de Duchamp es innovadora y de las que mayores consecuencias ha tenido en el arte contemporáneo. Parte del cubismo y del futurismo y planteará el
ready made,
objetos ya creados, pero transformados para que parezcan otra cosa, como Rueda de bicicleta o Fuente; pueden ser de dos tipos: los puros y los manipulados. Cuestionará aquí su separación entre arte y diseño. La obra
Rueda de bicicleta de 1913 es una obra protodadaísta, antecede al propio dadaísmo. Es el primer
ready made: sugiere la idea de la copulación al introducir una idea en un taburete.
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Rueda de bicicleta de Duchamp
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La casada desnudada por sus solteros de Duchamp es una obra comenzada en 1915 que dejó inacabada en 1922. Un viaje a Europa será decisivo para esta obra, conocida también como
El gran vidrio, porque está formada por dos cristales, y está hecha de materiales insólitos: hojas de metal, plomo y barnices. En la parte superior hay una forma abstracta que representan a la recién casada. En el cristal inferior aparecen una serie de figuras (los solteros) con una especie de máquina (el molino de chocolate), que se considera una referencia a la masturbación. La obra preludia al mismo tiempo elementos del surrealismo.
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| El gran vidrio (1915-1922) de Duchamp |
Duchamp decide dedicarse al ajedrez profesionalmente y sin dar señales de vida durante una temporada, da a conocer tras su muerte
Etant donnés, una obra que consta de dos partes: 1.
La chute d'eau y 2.
Le gaz d'éclairage. La obra se nos presenta con un portalón viejo español, por donde se puede ver a través de una rendija un cuerpo de mujer desnudo mostrando la vagina y lleva en la mano una luz de gas. Hay un carácter hiperrealista del cuerpo de la mujer. La obra está cercana al arte conceptual.
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| Etant donnés. 1. La chute d'eau de Duchamp |
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| Etant donnés. 2. Le gaz d'éclairage de Duchamp |
La obra la desarrolla Duchamp en 1946, durante el final de su vida y la lega al museo de Philadelphia con la condición de que se dé a conocer una vez haya muerto. Duchamp muere en el 68, año en el que se da a conocer la obra. Duchamp hace constar con esta obra que sigue las tendencias artísticas.
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| Etant donnés de Duchamp |
FOTOMONTAJE DADAÍSTA: LA TECNOLOGÍA COMO CLAVE
El fotomontaje procede de la idea del
ready made. Es un corta y pega de imágenes buscando una relación insólita y desconcertante. Las imágenes proceden de revistas o periódicos. Se considera a Hausmann, del grupo dadaísta de Berlín, el creador del fotomontaje y marca la fecha de 1918. Pero es difícil aceptar esta autoría: antes de esa fecha ya existían otros fotomontajes hechos por Heartfield y Hanna Höch (tambiñen del grupo berlinés), que trabajaba en el fotomontaje desde 1916. La imagen tecnificada atrae mucho a los dadaístas.
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| Dada merika (1919) de Heartfield. Fotomontaje compuesto de varios periódicos |
Para el cuadro
Tatlin en casa de Hausmann, cuenta Hausmann que un día estaba viendo una fotografía en una revista de un hombre que se parecía a Tatlin, hombre obsesionado con las máquinas. Crea un fondo pintado de una perspectiva elevada que recuerda a las perspectivas de un autor italiano llamado De Chirico. De una revista de máquinas recorta volantes y válvulas y las coloca en el cerebro. Recorta la figura de un hombre con los bolsillos hacia afuera para resaltar la pobreza de Tatlin y completar su perfil. Recorta también el maniquí, como símbolo de la deshumanización de la máquina.
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| Tatlin en casa de Hausmann (1920) de Heartfield |
El dadaísmo berlinés usará el fotomontaje contra el nazismo creciente. A través del fotomontaje
El sentido del saludo hitleriano, Heartfield insinúa que el saludo de Hitler está pagado por la alta burguesía mediante el subtítulo "Un hombre pequeño necesita grandes sumas". La obra Hurra, la mantequilla se ha acabado muestra una familia muerta de hambre comiendo máquinas. Tiene un componente surrealista.
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| El sentido del saludo hitleriano de Heartfield |
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| ¡Hurra, la mantequilla se ha acabado! de Heartfield |
Los constructivistas rusos también se sintieron atraídos por el fotomontaje. Entre los artistas que destacaron se encontraban Klucis, El Lissitzky y Rodchenko. En la obra
Spartiakada la estructura es geométrica según el esquema del constructivismo. Crean una nueva significación.
Cartel de propagando del libro de Rodchenko es una obra geométrica, a la que se le añade una fotografía, creada ex profeso por Rodchenko. La voz de la mujer se proyecta de forma geométrica. Rodchenko trabajó en la cinematografía y la fotografía.
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| Spartakiada de Klucis |
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| Cartel de propaganda del libro de Rodchenko |
Aplicación de la dialéctica marxista: la oposición de los contrarios crea una nueva alternativa. Una tesis tiene una antítesis y de ahí surge la síntesis. La época de la Revolución está marcada por la tecnología. Los dadaístas la ven con desconfianza, visión negativa, puede deshumanizar. Para los constructivistas hacen un canto a la máquina.
PERÍODO DE ENTREGUERRAS
Se produce un período de "vuelta al orden". Esto se refiere a la experiencia de la guerra había sido uno de los condicionantes que provoca el sentimiento de frustración. Surge la necesidad de sosiego, de meditación... y se produce una vuelta a la figuración. Picasso es el primero que practica un regreso a la pintura figurativa, pero no sólo él, es un fenómeno de carácter universal: la nueva objetividad alemana.
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| Pintura conservada en la villa de los misterios, cerca de Pompeya. Esta obra romana demuestra un dibujo acabado. |
A partir de 1917, Picasso comienza una etapa figurativa conocida como la etapa clásica y que durará hasta el 1925, año en el que se siente atraído por el surrealismo. Otros autores han calificado al período clásico de Picasso como período ingresco. Picasso viajará a Italia llamado por los Ballets rusos de Diahilev, que le invita a hacer los decorados de sus obras, entre ellas estaba
El sombrero de tres picos de Falla. Allí conocerá a una bailarina llamada Olga Koklowa y descubre el arter clásico romano. Se conservan muy pocas pinturas romanas, pero las hay, y como ejemplo del tipo de pintura que conoció Picasso tenemos los lienzos de Pompeya (la ciudad que se conservó intacta gracias a la ceniza del Vesubio.
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| Campesinos durmiendo de Picasso |
Al conocer la pintura romana, Picasso recupera el aspecto clásico de la imagen, su aspecto pletórico; asimismo, las pinturas de Picasso de esta etapa reflejan el mundo mediterráneo. Sin embargo, hay aspectos de la pintura de su etapa clásica que no coinciden con el aspecto clásico: como las desproporciones de los miembros, que no responden a los cánones clásicos.
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| Mujeres corriendo en la playa de Picasso |
El arte clásico es el arte griego y romano, caracterizado por el equilibrio, la armonía y por el canon, es un arte sometido a normas y proporciones matemáticas. No obstante, Picasso no aplicará ni medidas matemáticas ni proporciones; en ese sentido, Picasso no es clásico. Esto se ve perfectamente en
Campesinos durmiendo o en
Mujeres corriendo en la playa. Viendo estos cuadros comprendemos por qué el calificativo de ingresco para esta etapa es más justo. Hay que recordar que Ingres es el primer deformador de la imagen y en estos cuadros tenemos una sensación de deformidad dee la línea sólo comparable a la del cuadro
La gran odalisca de Ingres.
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| La flauta de Pan de Picasso |
En el cuadro
La flauta de Pan trata una mezcla de ambiente mitológico y mediterráneo. Los hombres muestran una pintura clásica (contraposto: apoya una de las piernas y deja otra suelta); a pesar del aspecto clásico, la imagen es moderna, ya que no respeta las normas, las manos son exageradamente grandes. No cabe duda de que Picasso era un pintor polifacético, ya que al mismo tiempo que pintaba estos cuadros también era capaz de pintar obras de cubismo sintético como
Los tres músicos.
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| Los tres músicos (segunda versión) de Picasso |
La vuelta a lo clásico no es algo exclusivo de un país: es un fenómeno internacional. En Italia, la figura más relevante es la de De Chirico. En Roma se había fundado por aquella época una revista llamada Valori plastici, liderada por un futurista, Carrà, y el propio De Chrico. La revista reivindica las fuentes del arte italiano, sus orígenes, sus autores como Giorgione, Giotto, Francesco, etc., criticando los excesos de las vanguardias. De Chirico será el creador de la pintura metafísica, precedente del surrealismo. Crea perspectivas urbanas, aceleradas, retoma la perspectiva clásica, pero exagerando su carácter. En estos espacios aparecen sombras inquietantes, de un mundo irreal. También proliferan maniquíes extraños con sombras muy alargadas. De Chirico retoma en sus cuadros los principios clásicos sin renunciar a la modernidad.
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| Las musas inquietantes de De Chirico |
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| Naturaleza muerta (1954) de Morandi |
Otra de las figuras del arte italiano de esta época es Giorgio Morandi, creador de bodegones de carácter clásico en los que se recupera la composición, la sensación estática, la línea, las sombras. En Alemania surgirá la Nueva Objetividad. Alemania es un país humillado por la derrota de la guerra. La corriente partía de una exposición que se había montado en un museo que convocaba a aquellos artistas que se podían calificar de realistas. Allí participaron tanto pintores clásicos, academicistas, como realistas. Destacaron especialmente Otto Dix y Grosz. ¿Cuáles fueron sus características?
- Realismo extremo, casi fotográfico;
- precisión en el dibujo, de aspecto despersonalizado;
- se filtra cierta tensión emocional;
- imágenes del ascenso al poder.
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| La bailarina Anita Berber de Otto Dix. En este cuadro hay una sensación extraña, vemos el realismo de la figura, vemos un dibujo acabado con detalles minuciosos y una sensación enigmático pese a esa objetividad. |
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| La periodista Sylvia von Harden de Otto Dix |
Por su parte, Grosz es un autor con planteamiento crítico, cercano al comunismo En el cuadro Escena callejera de 1925 aparece un detalle de la calle y personajes caricaturescos: un mutilado de la guerra pide dinero ante un hombre de mirada indiferente. En Eclipse hay una mesa de reunión política, donde los personajes políticos están decapitados y está presidida por un grandullón de cara cervecera. Aparece un personaje con chistera, un banquero detrás del grandullón, como símbolo de que los bancos tienen el poder. En la parte inferior aparece una calavera (símbolo de la muerte) y un burro con orejeras, que representa al pueblo que tiene que actuar como un burro ciego para poder sobrevivir. En este contexto tenemos que situar los fotomontaje de Heartfield.
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| Escena callejera (1925) de Grosz. Museo Thyssen |
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| Eclipse de Grosz |
En EE. UU. surge el realismo de la Gran Depresión, cuyo máximo exponente es Hopper. Hopper se formó dentro de un carácter académico; conoció las vanguardias europeas, pero no se dejó influir por ellas, ya que quiso crear un arte puramente americano. Se centró en el mundo urbano, las calles, los hoteles, etc. Su pintura, además, tiene un fuerte componente cinematográfico, como en el cuadro
New York movie, en el que el cine es el protagonista; vemos una perspectiva de perfil y una acomodadora sola, tema recurrente en la pintura de Hopper: la soledad y la gran urbe.
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| New York movie de Hopper |
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| Habitación de hotel (1931) de Hopper. Museo Thyssen. En este cuadro aparece una perspectiva cinematográfica, con iluminación contrastada que nos incita a contar la historia de esta mujer que está sola. |
El arte abstracto será perseguido en Alemania por los nazis y en Rusia será sustituido por el realismo socialista. Es minoritario, pero sigue vivo y vigente. En este período surgen tres experiencias interesantes:
Brauhaus, las asociaciones de arte abstracto y
Cercle et carré (que será sustituido por
Abstraction creation). En España, tendremos al escultor Julio González. Brauhaus, que en alemán significa "casa de la construcción", es una escuela de arte y diseño donde se pretenden interrelacionar todos los campos del arte, se aplican los principios de la vanguardia al campo de la enseñanza y se potencia el carácter aplicado del arte, unir el arte con la vida, darle un sentido práctico al arte. Fue creada en el año 19 en la ciudad de Weimar por Gropius. El Lisistzky creará su cartel. El movimiento sufriría el acoso del nazismo, que lo calificaron de arte degenerado, viéndose obligado a cambiar de ciudad, marchándose a Dessay y más tarde a Berlín. Una vez que Hitler sube al poder, se clausura. Jugó un papel fundamental en el diseño y el arte aplicado. Allí acudió el neoplático Doesburg, el ruso El Lissitzky y destacaron Paul Klee y Kandinsky.
PAUL KLEE
Es uno de los grandes maestros de la modernidad. Ingresó en 1921, contando con una trayectoria artística vinculada al expresionismo y al dadá. Tiene una motivación en la cabeza: la meditación del acto pictórico. ¿Qué es pintar? Crear imágenes no que procedan de la realidad, sino crear una nueva realidad, la que el pintor ofrece. Rompe las barreras entre abstracción y figuración, como se puede ver en su cuadro
Senecio, que tiene referencias figurativas, pero que también es abstracta. Le dio importancia también a la simplificación de la imagen, lo que hizo que calificaran su pintura de infantil. Asimismo, hay cierta inspiración musical en sus cuadros y una búsqueda de la imagen primitiva.
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| Senecio de Paul Klee |
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| Reconstrucción de Paul Klee. Cuadro en el que hay una simbiosis entre lo abstracto y lo figurativo. |
KANDINSKY
Había participado en el expresionismo alemán. Se vinculará a la Revolución rusa. En Rusia será testigo del arte abstracto geométrico. En su
Composición 8, su planteamiento es similar al arte abstracto, pero con un carácter marcadamente geométrico. Escribirá
Punto y línea sobre el plano en el 1926, que será fundamental para entender esta etapa, iniciando una etapa de geometrismo lírico. En el libro plantea la búsqueda de un lenguaje universal y abstracto. La geometría se convierte en un lenguaje fundamental, las manchas ya no predominan, son los círculos, las líneas... Kandinsky es un autor que indaga y busca nuevos lenguajes, evoluciona.
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| Composición 8 de Kandinsky |
JULIO GONZÁLEZ
Escultor abstracto español, hijo de orfebre. Tras una visita al Museo del Prado decide hacerse pintor. En París entabla amistad con Picasso. Este le dice que le enseñe a soldar piezas de metal; González, que trabaja en una industria de automóviles, le enseña. Picasso, por su parte, le mostrará la idea de arte moderno. Su obra
Dafne de 1937 representa el momento en el que Dafne, la ninfa, se transforma en laurel. También hará una escultura para el Pabellón español de París:
Montserrat de 1937, representa a una campesina catalana, en la mano derecha lleva una hoz (símbolo del comunismo) y en la izquierda una niña. Es una crítica al golpe que ha recibido la República.
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| Dafne (1937) de Julio González. Museo Reina Sofía |
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| Montserrat (1937) de Julio González |
La obra Hombre cactus de 1939 representa a un ser humano que adquiere forma vegetal. A esto se le llama surrealismo telórico (lo que está atado a la tierra), ¿por qué abunda tanto en España este tipo de arte? Porque es un país seco. El hombre español es como un cactus con espinas (símbolo de las armas): para luchar, saca armas de donde no tiene.
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| Hombre cactus de Julio González |
SURREALISMO
Es la última de las vanguardias históricas. En 1924, en París, se publica el manifiesto surrealista de manos de Breton. Es una vanguardia de gran trascendencia posterior. El surrealismo supone la destrucción de los últimos vestigios del arte tradicional. Hay que cargarse la racionalidad del arte, ya que el mundo se pretende racional. El surrealismo abrirá un camino insospechado: la indagación de lo más oculto del ser humano, los sueños y los deseos, usando como base la teoría psicoanalítica de Freud. Breton diría que "el surrealismo es automatismo psíquico puro", es algo que surge de forma espontánea, de la psique y de ningún control, deja fluir libremente la interioridad. Intenta conocer la función del pensamiento. En un principio, el surrealismo tiene un origen literario con autores como Breton, Aragon y Eluard y posteriormente se aceptaría el surrealismo pictórico. Existen precedentes remotos, como los cuadros del Bosco o de Goya; otros cercanos como Munch y el simbolismo; e inmediatos como Chagall (pintor ruso que crea un universo fantástico en el que los animales adquieren rostro humano) y De Chirico. El surrealismo es también hijo del dadaísmo, y de ahí procede su carácter negativo e insultante. Pronto se unirán a la corriente surrealista varios pintores, como Max Ernst; Joan Miró; Masson; Picasso, que pasará por una fase surrealista a partir de 1925; Magritte; Delvaux; o Tanguy.
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| De esto los hombres no sabrán nada de Max Ernst. En el cuadro aparece una mano amputada, que es el símbolo de la castración |
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| Escargot, femme, fleur, étoile (1934) de Joan Miró. Museo Reina Sofía. Miró utilizará la escritura automática ideada por los escritores surrealistas y la aplicará a la pintura. |
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| La crucifixión (1930) de Picasso |
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| Venus durmiendo de Delvaux. Autor de perspectivas urbanas plagadas de mujeres que parecen maniquíes. |
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| Divisibilidad infinita (1942) de Tanguy. Era marino, crea fondos marinos de espacio infinito con formas abstractas. |
En resumidas cuentas.
- No existe un lenguaje surrealista, sería incomprensible con el manifiesto. De este modo, podemos encontrar tanto pintores figuristas, como abstracto, como pintores a medio camino entre los dos.
- La separación figuración-abstracción no funciona en el surrealismo.
- Deja fluir la interioridad personal.
JOAN MIRÓ
Crea una iconografía personal, donde las formas se vuelven abstractas, hay una simbolización de las figuras humanas y las formas se reducen a un símbolo. En su cuadro
Carnaval de arlequín aparece un pez flotante, unos gatos jugando con una pelota de lana (más que gatos son un símbolo, una idea de un gato), una figura humana con una guitarra (probablemente un campesino catalán)..., en resumidas cuentas vemos una simplificación de las figuras. El cuadro pertenece a su primera fase poética, y es del año 1924, época en la que pasaba tanta hambre que cuando llegaba a casa apuntaba en un papel las imágenes del delirio.
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| Carnaval del arlequín (1924) de Joan Miró |
SALVADOR DALÍ
Fue un gran publicista de su obra. Nace en Figueras, hijo de notario, segundo después de muerto un hermano llamado igual que él. En un principio quiere ser cocinero, pero se da cuenta que pintar es como cocinar. Su gran experiencia será residir en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoce todos los movimientos de vanguardia y experimenta con ellos (desde el cubismo hasta el futurismo y el nuevo realismo).
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| Figura en una ventana (1925) de Salvador Dalí. Museo Reina Sofía. Obra perteneciente al nuevo realismo de entreguerras. Tiene un aspecto fotográfico y hay una sensación de misterio en la mirada de la hermana de Dalí |
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| Naturaleza muerta con claro de luna (1926) de Salvador Dalí. |
Naturaleza muerta con claro de luna pertenece a su etapa de aprendizaje; se trata de una obra cubista en su estado más puro, aunque en la parte central empieza a crear su iconografía (el carnuzo, lo putrefacto). A finales de 1929 decidirá su estilo: viaja a París y toma contacto con los surrealistas. Es el año en el que también conoce a Gala, que supone la ruptura con su padre y con Buñuel.
El gran masturbador refleja el momento en que Gala se marcha a París tras intentar conquistarla. En el cuadro aparece una cara de perfil (que no es más que un autorretrato blando del propio Dalí), hormigas (símbolo del cosquilleo sexual), un león con la boca fuera (símbolo del deseo sexual), conchas y rocas (que hacen referencia al lugar donde conoce a Gala), un sedal roto (símbolo de la pesca frustrada) y el resto de figuras rememoran el arte modernista. El método crítico-paranoico de Dalí es el "conocimiento" irracional basado en la asociación interpretativa crítica de los fenómenos delirantes. Esto es: ver imágenes sexuales donde no las hay. Un claro ejemplo es su interpretación del cuadro
El ángelus de Millet, descrita líneas más arriba.
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| El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí. Museo Reina Sofía |
Para Dalí, El ángelus fue una obra que le impactó soberanamente hasta el punto de que llegó a realizar sus propias versiones, como El ángelus arquitectónico de Millet, en la que vemos una muleta sujetando una estructura blanda; lo blando va a estar muy presente en los cuadros de Dalí, hacen referencia a la impotencia, a lo flácido.
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| El ángelus arquitectónico de Millet (1933) de Salvador Dalí. Museo Reina Sofía |
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| El enigma de Guillermo Tell de Salvador Dalí. Museo Reina Sofía |
Para Dalí, Guillermo es el ejemplo del padre destructor. En la obra aparece con la cara de Lenin, con una nalga que se prolonga en pene sujetado por una muleta y la carne putrefacta sobre él.
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| La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí |
A finales de los años 30 abandona España y Europa, instalándose en EE. UU. A partir de este momento, sus inquietudes cambian y se centran en las proporciones, en las matemáticas., como se puede ver en su
Corpus hipercubicus, perteneciente a la época clásica en la que vuelve a los preceptos clásicos, poniendo fin al Dalí paranoico. Aparece la figura de Gala como San Juan, discípulo amado. El cuadro se basa en las teorías mágico-matemáticas de El Escorial de Herrera.
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| Corpus hipercubicus (1954) de Salvador Dalí. Museo Metropolitano de Arte de Nueva York |
MAGRITTE
Otro de los grandes surrealistas, pero con preocupaciones diferentes. Trabaja en una fábrica de papeles pintados; era pintor y dibujante en publicidad. Esto le da a su obra un acabado casi fotográfico.
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| Esto no es una pipa de Magritte |
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| La llave de los sueños de Magritte |
Tanto
Esto no es una pipa como
La llave de los sueños son cuadros que cuestionan la visión del mundo. El primero de ellos lo hace planteando una reflexión sobre la propia imagen y su significado y no le falta razón al subtítulo que acompaña a la pipa: no se trata de una pipa, se trata del dibujo de un pipa. Magritte será uno de los artistas más explotados en publicidad junto con Dalí.
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La clave de los campos de Magritte. Es una obra surrealista: vemos un paisaje a través de la ventana en la que los cristales rotos reflejan el paisaje. El autor se plantea qué es lo que hace hermoso un paisaje, ¿nuestra mirada o nosotros?
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| La filosofía de la alcoba de Magritte. En este cuadro los objetos cotidianos adquieren aspecto humano |
Artista alemán, estudió filosofía y psicología, esto le llevó a interesarse por la pintura de los alienados. Se integra inicialmente en el dadaísmo, liderando el grupo de Colonia. Se integrará después en el surrealismo, pero siempre desde la perspectiva psicológica; el cuadro
Oedipus Rex sería un ejemplo de esta etapa, en él aparecen figuras extrañas del padre y la madre (a la derecha), pero es difícil estudiarlo sin recurrir a los textos. Pero su especialidad será el fotomontaje. Utiliza revistas del siglo XIX, usa grabados manipulados para crear relaciones insólitas. Con la serie de fotomontajes recopilados en
Une semaine de bontè cuestiona un mundo irracional; no por casualidad la crea en el año 34, año en el que accede Hitler al poder.
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| El elefante de Célebes de Max Ernst |
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| Oedipus Rex de Max Ernst |
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| Imagen de Une semaine de bontè de Max Ernst |
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| Árboles solitarios y árboles conyugales de Max Ernst. Museo Thyssen |
MAN RAY
Man Ray se vinculará al surrealismo como fotógrafo. Su obra
El violín de Ingres sugiere que el cuerpo de la mujer es como un violín.
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| El violín de Ingres de Man Ray |
Asimismo, los surrealistas desarrollaron nuevas técnicas de creación de imágenes surgidas al azar. Algunas de ellas son el
frottage, el
fumage, la decalcomanía y el cadáver exquisito.
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Frottage: en un papel rugoso se coloca un papel encima y se frota con lápiz.
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Fumage: se coge un papel y se pasa una vela por debajo del papel, surgiendo imágenes.
- Decalcomanía: se trata de una técnica ideada por Óscar Domínguez. Se coge una superficie dura donde se pone pintura fluida y encima otra superficie. Al cabo de un rato se separan ambas superficies y surgen imágenes. Un ejemplo de cuadro que utiliza esta técnica es
León-bicicleta de Óscar Domínguez.
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| León-bicicleta de Óscar Domínguez |
- Cadáver exquisito: se reúnen cuatro personas en torno a una mesa, se dobla un papel en cuatro partes y en una de esas cuartas partes, uno de los pintores dibuja algo, sugiriendo la continuación de la línea para que otro pintor siga pintando en otra cuarta parte de ese folio.
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| Cadáver exquisito de Tanguy, Miró, Max Morise y Man Ray |
La relación del surrealismo con estas técnicas tiene componentes humanos, la tecnología es humana. Los surrealistas tienen pasión por el cine, la fotografía..., sentían admiración por Buster Keaton y su humor extraño. Por ejemplo se sabe que Dalí escribió textos teóricos sobre fotografía, llegando a colaborar en el campo de la fotografía y el cine, y aunque las películas más conocidas en las que participó sean
Un perro andaluz,
La edad de oro o
Recuerda, Dalí concibió otros proyectos cinematográficos menos conocidos como
Historia prodigiosa de la encajera y el rinoceronte o
Babaouo. Al final de su vida se vinculó a la holografía (proyección de imágenes suspendidas en el aire).
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| Shirley Temple de Salvador Dalí. El monstruo sagrado más joven del cine contemporáneo aparece como una esfinge. |
JOSEPH CORNELL
No llegó a formar parte del grupo surrealista, pero puede ser considerado como una continuación del mismo en tierras americanas. Vio una exposición de arte surrealista y a partir de ese momento empezó a realizar sus primeras cajas.
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| Cacatúa y corchos de Cornell |
ggg
